Auch in diesem Jahr wünscht die Gesellschaft für Comicforschung all ihren Leser*innen  und Freund*innen einen guten Start ins neue Jahr 2026 und präsentiert zu diesem Anlass wieder aktuelle Leseempfehlungen von Comicforscher*innen, die wir zum Jahresabschluss gesammelt haben. (Die Leseempfehlungen der letzten Jahre finden sich hier) Viele unserer Mitglieder haben uns dafür erneut ganz subjektive Lektüretipps geschickt, die aus den vergangenen zwölf Monaten im Gedächtnis geblieben sind – aus welchen Gründen auch immer.

Wie jedes Jahr: viel Vergügen bei unserer höchst subjektiven Retrospektive auf 2025, angenehme Feiertage und einen guten Rutsch, im Namen der ComFor-Redaktion und des Vorstands.

Jörn Ahrens

Kultursoziologe, Justus Liebig Universität Giessen

Romain Renard, übersetzt von Anne Bergen: Wiedersehen mit Comanche (Splitter)

Ein Spätwestern. Eine Hommage. Eine Interpretation. Romain Renard, der in Deutschland vor Jahren mit seinen zwei Bänden Melville hervorgetreten ist, imaginiert das Ende einer Geschichte. Die Figuren aus Hermann und Gregs klassischer Western-Serie Comanche nimmt er auf und übersetzt sie in ein Setting im Jahr 1932, aber die Jahreszahl erfährt man nur beiläufig, aufgedruckt auf einer Pulpnovel über den Wilden Westen. Der gealterte Red Dust lebt versteckt in Kalifornien, wird aber aufgespürt von einer jungen, schwangeren Frau, die sich als Journalistin ausgibt und ihn schließlich überredet, mit ihr zurück nach Wyoming auf die 666 Ranch zu fahren, um dort Comanche zu treffen und Zeugnis abzulegen über jene Old Times, als der Westen noch wild war. Am Ende trifft Red Dust nicht auf Comanche, sondern auf seine Nemesis in Gestalt der Familie Dobbs. Noch einmal muß er einen großen Shoot Out ausfechten und abermals verschwinden, denn noch immer sucht ihn die Polizei. Renard erzählt diese Geschichte mit großer Lakonie und in schönen, in schwarz, weiß und grau gehaltenen Bildern. Wie schon bei Hermann und Greg taucht Comanche im ganzen Comic nicht auf, sondern reduziert sich auf die Nennung im Titel des Bandes, was an sich schon eine clevere Hommage an die Serie ist. Dafür wird Red Dust eine komplexe Frauenfigur gegenübergestellt. Der Bilderfluß selbst, in dieser Zeit einer sich endgültig durchsetzenden industriellen Moderne, die nun auch die 666 erreicht, wird immer wieder unterbrochen durch Bildreminiszenzen an eine dystopisch gescheiterte Moderne. Über allem schweben die Sonette Shakespeares.

José Munoz und Carlos Sampayo, übersetzt von Myriam Alfano: Joe’s Bar (Avant Verlag)

Kontinuierlich macht sich der Berliner avant-verlag um Gesamtausgaben von Sternstunden der Comic-Kunst verdient; so auch diejenige der Serie Joe’s Bar von den Argentiniern Munoz und Sampayo, die von 1978-1985 im französischen Magazin (À Suivre) erschien. Dreh- und Angelpunkt der Geschichten ist eine Bar in New York, eine Kaschemme, ein Treffpunkt für alle und keinen. Hier fischen die Autoren ihre Figuren aus der Masse der Barbesucher heraus, die in allen möglichen Couleurs, sozialen Schichten und subkulturellen Hintergründen in der Bar aufeinander treffen. Das ist zum einen eine in den Stories jeweils ungemein pointierte Sozialkritik, die ihre Figuren zu Typen, Allegorien, Experimentalanlagen verdichtet. Das ist zum anderen aber vor allem auch ganz große, nach wie vor ziemlich unerreichte Kunst. Während die Seitenanlage nicht sonderlich von der Konvention untereinander verlaufender Strips abweicht, die lediglich in der Höhe variieren, warten die Panels mit einer nahezu einzigartigen expressionistischen Ästhetik im Comic auf. Solche Figuren hat man zuvor nicht gesehen, wird sie so auch nicht wieder zu Gesicht bekommen. In die Groteske überzeichnete, zugleich ungeheuer pointierte Gesichter und Typen und den Moden und Stilen der Zeit extrem genau abgeschaute Accessoires und, bei aller Abstraktion, peinlich genau recherchierte Hintergründe eines zu jener Zeit exotistisch pittoresk heruntergekommenen New York. Die Hauptstadt der Welt, ein Krisenherd. Die Ästhetik in harten, gerade im Einsatz von Schwarz immer wieder stark flächigen schwarz-weiß Kontrasten bleibt zeitlos spektakulär. Eine Augenweide.

Manfred Sommer, übersetzt von Maximilian Lenz: Frank Cappa, Gesamtausgabe (Avant Verlag)

In einer weiteren, verdienstvollen Edition legt der avant-verlag eine Gesamtausgabe der Serie des Spaniers Manfred Sommer über den Kriegsreporter Frank Cappa vor, dessen Name in Anlehnung an Robert Capa Programm ist. An wechselnden Schauplätzen, die teils fiktiv teils authentisch sind, legt Cappa Zeugnis von den Greueln des Krieges ab. Ob dieser auch immer sinnlos ist, bleibt zuweilen dahingestellt, denn Cappa ist selbst, und das macht die Serie sympathisch komplex, nicht normativ positioniert. Seine an Hugo Pratts Corto Maltese erinnernde Lakonie (dessen Ironie ihm allerdings komplett abgeht) gegenüber dem Geschehen, das er dokumentiert, befähigt Cappa, die Perspektiven aller Protagonisten nachzuvollziehen, denen er begegnet. Das macht die Lektüre nicht immer leichter, aber in jedem Fall anregender als die Bereitstellung festgefügter Positionierungen, die sich moralisch sicher sein können. Cappas (und Sommers) Botschaft ist, daß es diese Sicherheit nicht gibt. Zu einer Generation spanischer Zeichner gehörend, die mit dem Ende der Diktatur Mitte der 1970er Jahre aufgebrochen ist, neue Inhalte und Ästhetiken zu erschließen, kommt er ebenso nah an Pratt heran wie an Caniff. Die Kunst der Pointierung beherrscht er ebenso wie die Abstraktion. Sommer, dessen Werk viel zu wenig beachtet geblieben ist, ist ein großer Meister im Umgang mit schwarz-weiß. Demgegenüber fallen die allzu gefällig im Stil der spanischen Comics der Zeit eingetuschten, farbigen Stories sichtbar ab. Die chronologisch vorgehende Ausgabe schließt eine editorische Lücke.

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Ole Frahm

Comicforscher, Arbeitsstelle für Graphische Literatur (ArGL) Hamburg

Ilan Manouach: Tarwar (Nero Press) / Emiolio López-Menchero: Théorie des bulles (La Lettre Volée)

Diese zwei Bände sind ein vergnügliches Muss für alle Freund*innen der Comic-Form. Beide haben keine erzählbare Handlung, sondern reflektieren das Funktionieren der Comics und bleiben, anders als manch wissenschaftliche Auseinandersetzung, unterhaltsam. López-Mencheros Hauptfigur ist die Sprechblase, die auf nicht weniger als 101 Seiten die verschiedensten Verwandlungen durchmacht. Während das Seitenraster weitgehend gleich bleibt – acht querformatige Panels, jeweils zwei in vier Zeilen – verwandeln sich die Sprechblasen ständig. Dabei ist vor allem faszinierend, wie die Lektüre zwischen der Betrachtung der Graphik, dem Lesen des Comics und der Konstruktion eines Sinns herumschlingert. Es könnten 101 One-Pager sein, oft genug wird die jeweilige Seite durch eine Idee dominiert, aber immer wieder ergeben sich Bezüge über die Seiten hinweg – und die nahezu immer leeren Sprechblasen füllen sich mit Vorstellungen und Worten. Während López-Manchero den eigenen Strich, die graphische Geste immer wieder betont, verzichtet Ilan Manouach schon seit langem auf solche Gesten. Bekannt geworden durch seine – zweifelhafte – Umzeichnung von MAUS zu KATZ 2012, hat Manouach inzwischen einige sehr viel überzeugendere Überarbeitungen veröffentlicht, wie Les Schtroumpfs Noirs, wo alle Farben in Schlumpfblau gedruckt sind. Tarwar begeistert, weil es die Arbeit, die Luis Gasca und Roman Gubern so verdienstvoll in El Discurso del Cómic 1994 begonnen haben, nämlich die Sammlung von bestimmten Idiomen und diskursiven Strukturen in Comics – wie schwarze oder nahezu schwarze Panels – in komischster Weise fortsetzt und radikalisiert. Das Team von Manouach hat auf über hundert Seiten mit vier bis fünf Zeilen unterschiedlichste Comic-Panels zusammengetragen, deren verbindendes Element ist, dass sie schwarz sind – schwarz mit Schrift, schwarz mit Augen, schwarz mit Bom, Baoum, Whamm! Und was nicht noch alles. Dabei geht es nicht um Semiotik und Philologie, sondern tatsächlich darum, aus diesen Elementen eine neue Geschichte zu assoziieren. Manchmal sind die Herkünfte einzelner Panels offensichtlich, wenn z.B. ein Copyright (1942 by Walt Disney) vermerkt ist. Oftmals sind die Quellen (zumindest mir) weniger deutlich, angeblich wurden angeblich mehr als 12 Millionen Comics aus aller Welt digital durchforstet. Nun mischen sie sich von schwarzem Panel zu schwarzem Panel munter. Es ist die lange Nacht der Comics, ein endloser Tunnel, an dessen Ende zwar ein paar Sterne leuchten, aber natürlich an einem tiefschwarzen Himmel. Wer dachte, dass Christian Marclay und Jochen Gerner in der Reflexion der Form schon alles ausgelotet hätten, wird mit diesen beiden Comics erfreulich eines Besseren belehrt.

Hannah Brinkmann: Zeit heilt keine Wunden. Das Leben des Ernst Grube (Avant Verlag)

Dass formale Experimente nicht bei der Form stehen bleiben müssen, zeigt diese Geschichte des 20. Jahrhunderts: Ernst Grube wurde als jüdisches Kind von den nationalsozialistischen Deutschen verfolgt, als Kommunist in der Bundesrepublik. Brinkmann zeichnet nicht nur seine Geschichte, sondern auch die von dem Richter Geier und dessen Karriere im Dritten Reich – in der BRD weiter im Amt verurteilt er Grube. Das Dritte Reich, daran wird hier anders als in so vielen anderen Comics über den Holocaust erinnert, endete nicht 1945, sondern durch die vielen personellen Kontinuitäten ging für viele der Opfer etwas weiter, das, so zeigt auch die aktuelle politische Situation, nicht aufgehört hat zu existieren. Die besondere Qualität von Hannah Brinkmanns Darstellung ist die Freiheit ihrer zeichnerischen Umsetzung von Grubes Bericht. Wenn sie den Konventionen der Holocaust-Comics folgend mit dem Zeitzeugen-Gespräch beginnt, geht sie nicht gleich in die Vergangenheit, sondern zeichnet das Innere des Körpers, denn „die Gewalt … / … der Nazis … / … lässt dich auch … / … innerlich zerbrechen“ und findet auch im weiteren manch ungewohntes Bild. Immer wieder unterbrechen ganzseitige Reflexionen das Geschehen, die ohne jemals verspielt zu sein die formalen Elemente des Comics elegant in den Dienst nehmen. So wird nicht nur das vergangene, realistische Geschehen in Erfahrung gebracht, sondern auch innere Bilder und Gefühle – die so in unsere Gegenwart hinübergerettet werden.

Peter Maresca und Michael Tisserand: Jimmy! The Comic Art of James Swinnerton (Fantagraphics)

Ich weiß nicht, wann ich zuletzt beim Lesen von Comics so gelacht habe: die Witze sind zwar über hundert Jahre alt, aber wer so komisch Tiere zeichnen kann, wie James Swinnerton, altert nicht. Wenn die Tiere die zeitgenössische Zeitungsproduktion auf der Arche Noah übernehmen und die von einem Äffchen an der Druckerpresse frisch gedruckten Zeitungen „Rain“, „Still Rain“ und „Extra Rain“ melden, während der Marabu auf die Schlagzeile „Steady Rain“ schaut und zufrieden „Ah, the circulation is increasing“ konstatiert, bleibt kein Auge trocken. Der großformatige Band beschränkt sich dementsprechend nicht nur auf James Swinnertons langlebigste Serie Jimmy und verfolgt diese von 1899 bis 1937 in ausgewählten Seiten, sondern gibt einen groben Überblick über das viel zu selten wieder gedruckte, vielfältige Werk eines Zeichners, der in der Frühzeit die Entwicklung der Comics zu einem Massenmedium maßgeblich mitgestaltet hat. Sogar einen Western-Strip mit dem Titel Rocky Mason ist dabei, für den Swinnerton Jimmy 1941 (mit 66 Jahren) aussetzte und der wunderbar ungelenk in seinem Übersetzungsversuch des Funnie-Stils in das Abenteuer-Genre daherkommt. Swinnerton hat zeitweise in Kayenta bzw. im Coconino County gelebt und auch George Herriman mit dieser eigenen Landschaft und der indigenen Bevölkerung bekannt gemacht: fast 20 Jahre zeichnete er die ebenfalls hier repräsentierten Canyon Kiddies. Dass uns Beispiele aus den letzten 13 Jahren Jimmy (1945-1958) vorenthalten werden, lässt sich ebenso verschmerzen wie die nicht gut aufeinander abgestimmten, zudem knappen Erläuterungen, die einen heiteren Philologen wie Bill Blackbeard vermissen lassen. Während die Geschlechterverhältnisse gelegentlich sehr konventionell dargestellt sind, gibt es auch Überraschungen, wenn Sam beispielsweise alle anderen auslacht und so – wie Tisserand erläutert – die Regeln des blackfacing und vom Minstrel unterläuft. Solche Strips geben nicht nur zu lachen, sondern auch zu denken.

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Benedikt L. Freiling

Germanistikstudent, Philipps-Universität Marburg

Sean Murphy, übersetzt von Harald Sachse: Zorro: Die Legende lebt (Splitter Verlag)

Zu Recht denken Fußballfans bei diesem Untertitel an die Hymne des 1. FC Nürnberg. In diesem Fall hat sie jedoch nichts mit dem neuen Album von Sean Murphy über die Westernlegende Zorro zu tun. Aus dem anfänglichen Mord an Alejandro de La Vega, dem „alten” Zorro, entwickelt sich eine furios erzählte Rachegeschichte gegen ein Drogenkartell, das die Stadt La Vega grausam ausbeutet und unterdrückt. Sein Sohn Diego übernimmt das Erbe Zorros und kämpft in den vier Kapiteln der Geschichte mit Degen und Peitsche gegen das Kartell unter der Führung von El Rojo, unterstützt von seiner Schwester Rosa. Mit seiner abwechslungsreichen und dynamischen Panelstruktur sowie den zahlreichen Schwarzflächen schlägt der Comic eine Brücke zwischen Superhelden- und Westerncomics. Das ist nicht sonderlich verwunderlich, ist doch Sean Murphy durch seine Alben im Batman-Universum bekannt geworden. Somit ist die Hinwendung zu einem anderen nach Gerechtigkeit strebenden Ritter nicht überraschend. Positiv hervorzuheben sind die ganzseitig angelegten Panels, die an den richtigen Stellen die wichtigsten Wegpunkte der Geschichte hervorheben. Aufmerksamen Lesern werden die Füchse auffallen, die Zorros ständige Begleiter sind und ein schönes wortspielerisches Geheimnis verkörpern. Fans der Genres Western und Superhelden sei diese Neuauflage des Zorro-Mythos sehr ans Herz gelegt. Abschließend sei noch auf die Seitenhiebe in der Geschichte auf die bereits existierenden Zorro-Filme und -Comics hingewiesen. Insofern ist dieser Comic auch allen Zorro-Fans zu empfehlen, die sich im Leseprozess auf diverse Anspielungen, etwa in den Panelhintergründen, freuen dürfen. In diesem Sinne: ¡Viva la Vega y viva el Zorro!

Jean Dufaux und Jaime Calderón, übersetzt von Hanna Reininger: Das Haus Usher (Splitter Verlag)

Manche Geschichten sind niemals veraltet – vor allem dann nicht, wenn sie immer wieder neu interpretiert und weiterentwickelt werden. So ist es auch bei diesem Klassiker der Schwarzen Romantik von Edgar Allan Poe, den Jean Dufaux und Jaime Calderón neu interpretiert haben. Der unbenannte männliche Ich-Erzähler aus der ursprünglichen Geschichte erhält in der Comicversion den Namen Damon Price und einen sozialen Hintergrund. Im Comic tritt er als professioneller Spieler mit Schulden auf. Zudem wird ihm eine Freundin namens Nina angedichtet, die er aus der Prostitution freikaufen will. Vor seinen Gläubigern flieht er in eine dunkle Kutsche, die ihn zu dem Haus Usher und seinem etwas verrückten und mysteriösen Cousin Roderick bringt. An diesem Ort entfaltet sich eine gruselige Geschichte. Mit düsteren Grabkammern, mysteriösen Geschichten und einer kleinen Zombieapokalypse bietet die Geschichte alles, was es zum Gruseln braucht. Das schöne Szenario wird von den eindrucksvollen Zeichnungen von Calderón unterstützt, die den Figuren durch den besonders geschickten Einsatz von Farben eine ungewöhnliche Plastizität und Authentizität verleihen. Durch diesen Stil erreicht der Comic eine sehr realistische und filmische Wirkung. Besonders interessant wird es, wenn der Protagonist auf seinen Schöpfer, Edgar Allan Poe, trifft. Dieser ist in die Geschichte eingeflochten und scheint sie zu lenken, obwohl er nicht alles genau vorhersagen kann, da die durch ihn erschaffenen Figuren irgendwann ein Eigenleben entwickeln. Der Comic lässt sich sowohl aus literaturwissenschaftlicher Perspektive als auch aus musikwissenschaftlicher Sicht beleuchten, da Musik eine bedeutende dramaturgische Rolle spielt. Das Werk ist allerdings nicht nur aus wissenschaftlicher Perspektive interessant, sondern auch allen Poe- und Grusel-Fans wärmstens zu empfehlen.

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Dietrch Grünewald

Kunstdidaktiker, Emeritus Universität Koblenz-Landau, ehem. 1. Vorsitzender der ComFor

Yaroslav Schwarzstein: Potemkin Riot (ciconia ciconia)

Persimfans, ein dirigentenfreies Musikerkollektiv, 1922 in Moskau gegründet, unter Stalin 1932 aufgelöst, wurde 2008 reaktiviert. Zu seinen Projekten gehört die Vorführung von Eisensteins Stummfilm Panzerkreuzer Potemkin (Uraufführung 1925 im Moskauer Bolschoi-Theater) mit Edmund Meisels Musik (1926) als Live- Begleitung. Schwarzstein, geb. 1975 in Tula, Grafiker, Maler, Musiker, der in Hannover lebt und arbeitet, gehört als Leiter der Kunstabteilung zu Persimfans. Er schuf zunächst Plakate für das Projekt, was ihn anregte, dann den ganzen Film als Bildgeschichte zu gestaten. Eisenstein schuf ein durch Typisierung und Montageeffekte emtotional hochwirkungsvolles Werk, das über den Propagandauftrag Lenins künstlerisch weit hinausgeht. Die Meuterei auf dem Kriegsschff Potemkin 1905, ausgelöst, weil die Matrosen sich weigerten, vergammeltes Fleisch zu essen, wird als revolutionärer Akt in einer Verschmelzung von Fiktion und Realität verklärt. Schwarzstein, orientiert sich am Aufbau des Films und erweitert ihn durch eigene Fiktionenselemente. Seine Bildgeschichte steht in der Tradition der Holzschnitt-Romane Masareels, erzählt in doppel- und einseitigen Bildern, wo es die Dynamik der Handlung oder Signalgeben (gemäß der Maritime Semaphore Flags) erfordern, auch mit mehreren Panel auf der Doppelseite, im flächig expressiven Stil dem Film und seinem Plakat von 1925 (auch dem zeichenhaft-abstrakten von Hans Hillmann aus dem Jahr 1966) verpflichtet. Wie Eric Drooker in Flood! (1992) geht er über das reine Schwarz-Weiß hinaus, setzt durch die dominierende maritime Farbkombination Schwarz-Weiß-Blau, durch aggrssives Rot, durch Gelb- und Orangetöne emotionale Akzente, erweitert – wie der Film – die primär stumme Bildfolge partiell durch kurze Texteinfügungen (vornehmlich Rede der Akteure), die helfen, das Gezeigte besser zu verbinden und zu deuten. Eine großartige bildmächtige Erzählung (gegliedert in Prolog, fünf Akten, Epilog), die über eine reine Adaption weit hinausgeht und ein aufmerksames mitspielendes Bildlesen fordert.

Luz (Rénald Luzier), übersetzt von Lilian Pithan: Zwei weibliche Halbakte (Reprodukt)

Catherine Meurisse und Luz hatten das zufällige Glück, dem Attentat auf die Redaktion von Charlie Hebdo 2015 zu entgehen. Meurisse suchte in der Begegnung mit Kunstwerken ihr Trauma zu überwinden (Die Leichtigkeit, 2017), und auch Luz wendet sich in seinem neuen Bildroman der Bildenden Kunst zu, erzählt die Geschichte eines Gemäldes, das überlebte. Es geht um ein 1919 von Otto Mueller gemaltes expressionistisches Temperabild, das der Sammler Littmann dem Künstler, gerade Professor für Aktmalerei in Breslau geworden, abkaufte, das dann dem Wahn der NS-Diktatur zum Opfer fiel, enteignet (sprich: gestohlen) und in die Wanderausstgellung „Entartete Kunst“, die offensiv und voller Hass die Kunst der Moderne herabzuwürdigen suchte, eingebunden wurde, glückerlicherweise der Vernichtung entkam und nach dem Krieg seinen Platz im Museum Ludwig in Köln fand. Luz wählt für seine Erzählung eine besondere Dramaturgie: den subjektiven Blick, wie ihn z. B. Bastien Vivés konsequent (In meinen Augen, 2010) heranzieht; aber bei Luz ist es nicht der Blick eines Menschen, sondern der des Gemäldes, durch den – und damit eine besondere Nähe und emotionale Identifikation erzeugend – die Rezipienten die Geschichte verfolgen (müssen). David Prudhomme hat den Kunstgriff vorgeführt, wenn er zeigt, wie eine genervte Mona Lisa auf das gaffende Publikum schaut (Einmal durch den Louvre, 2012). Ohne das Gemälde selbst zu sehen (aus Sprechblasentexten kann man auf das Bildmotiv schließen, erfährt Reaktionen von Betrachtern), erleben wir mit, wie das Gemälde entsteht, wobei, dem Malakt folgend, Fleck für Fleck der malende Otto Mueller sichtbar wird. Erst mit Fertigstellung des Gemälders zeigen nun auch vollständig sichtbare Panel chronologisch, was vor sich geht, was sich vor dem Gemälde abspielt, was mit ihm – das passiv das Geschehen erdulden muss – passiert. Luz hat exakt recherchiert, zeigt uns Orte, Akteure, Bilder, Szenen realitätsgetreu, denn er erzählt keine fiktive Geschichte. Die Geschichte dieses Bildes ist exemplarisch die Geschichte der modernen Kunst im 20. Jahrhundert, eine Überlebensgeschichte so vieler Werke, denn mit dem „Blick“ des Gemäldes begegnen wir auch anderen Werke, die vom NS-Maler und -Funktionär Ziegler aus deutschen Museen beschlagnahmt wurden. Zwei weibliche Halbakte hatte das Glück, nicht verbrannt zu werden, sondern wurde dank eines Tauschangebotes des Kunsthändlers Hildebrand Gurlitt gerettet, vonJosef Haubrich für seine Sammlung erworben und nach dem Krieg der Stadt Köln geschenkt. 1999 wird das Bild Ruth Haller, der Tochtert Lippmanns, zurückgegeben und wieder zurückgekauft. Und so hängt das Gemälde heute im Museum Ludwig, „sieht“, wie Lothar, der als kleiner Junge in der Münchener Ausstellung das Bild betrachtete, es nun als alter Herr (nun freilich in anderem Kontext) mit dem gleichen freudigen Lachen bewundert. Im Anhang präsentiert uns Luz dann eine dem Original nahe Adaption, die auch erkennen lässt, dass die Bildgerzählung in Stil und Farbe deutliche Nähe zu Muellers Malweise aufweist. Der Comic ist m. M. n. einer der besten und lesenswertesten der letzten Zeit.

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Iris Haist

Kunsthistorikerin u. Kulturmanagerin, Köln

Katharina Greve: Meine Geschichten von Mutter und Tochter (Avant Verlag)

Hier Endlich, nach mehr als 90 Jahren nach dem Beginn der beliebten Vater und Sohn-Bildgeschichten von Erich Ohser alias e.o.plauen (1934–37), rücken nun auch Mutter und Tochter in den Fokus derartiger Comicreihen. Und das gleich zweimal: Nach Jannes Webers liebevoll gestaltetem Buch Mutter und Tochter von 2024 bereichert 2025 nun auch Katharina Greve dieses Feld mit ihren durchdachten Bildgeschichten mit dem Titel Meine Geschichten von Mutter und Tochter – online und analog. Greve schildert in ihrer unverkennbar reduzierten und direkten Art das Leben einer alleinerziehenden Mutter mit ihrer kleinen Tochter. Ihre Unternehmungen – Museumsbesuche, Zelten, Installieren eines Insektenhotels, Einkaufen auf dem Flohmarkt, etc. – sind eher kostengünstig, fördern aber die Bildung, sind nachhaltig und empowernd. Mutter und Tochter scheinen finanziell aber ausreichend abgesichert zu sein und damit nicht existentiell bedroht. Dadurch entwirft Greve, wie schon e.o.plauen, ein Umfeld für ihre Comics, das den Fokus auf die enge und liebevolle Interaktion zwischen den beiden Hauptfiguren, und nicht zu sehr auf äußere Einflüsse, legt. Es ist dieses vertraute Gefühl von Zweisamkeit, das viele Menschen in ihren positiv empfundenen Beziehungen besonders schätzen, das uns Greves Mutter und ihre Tochter vor Augen führen – und in welches sie uns ganz selbstverständlich miteinbeziehen. Es sind Geschichten zum Mit-Fühlen.

 

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Imke Heine

Literaturwissenschaftlerin, TU Dresden

Tian: Le piano de Leipzig (Éditions Gallimard BD)

1965. Die siebzehnjährige Dani verlässt ihr Heimatland Kambodscha, um in der DDR ein Klavierstudium zu beginnen. Weit weg von ihrem gewalttätigen Vater hofft sie auf eine bessere Zukunft, doch das neue Leben in Leipzig stellt die junge Frau vor zahlreiche Herausforderungen: Die deutsche Sprache ist schwer, der Winter hart und die Anforderungen des Studiums bringen sie an ihre körperlichen Grenzen. Zum Glück kann sie bei allen Widrigkeiten stets auf ihre Freunde und die Unterstützung der strengen, aber einfühlsamen Klavierlehrerin Ruth zählen – auch dann als Dani bemerkt, dass sie schwanger ist. Der Eiserne Vorhang schiebt sich nicht nur zwischen Nationen, sondern trennt Dani physisch und ideologisch vom Vater ihres Kindes, der sich eine Karriere in den USA aufbaut, während in Kambodscha der Bürgerkrieg ausbricht. Der französisch-kambodschanische Comicautor Tian erzählt in dieser Bande dessinée die berührende Geschichte seiner Tante, die er erst nach der deutschen Wiedervereinigung kennenlernte. In realistischen, klar umgesetzten Alltagsszenen zeichnet er die individuellen Erfahrungen der Protagonistin nach und setzt diese in den Kontext politischer Zusammenhänge. So wird jedes Kapitel von einer separaten Seite eingeleitet, die über das System der DDR informiert. Damit schafft Tian ein beeindruckendes Zeitzeugnis, welches das Augenmerk auf die weniger bekannten historischen Verbindungen zwischen Ostdeutschland und Kambodscha legt.

Karla Paloma: Ratten (Avant Verlag)

Karla ist Dänin, doch das (Über-)Leben in Berlin als chronisch mittellose Künstlerin scheint alles andere als hygge. Positive skandinavische Stereotype lassen sich zumindest ausnutzen, um beim Klauen im Supermarkt mit der neunjährigen Herle einen Ladendetektiv übers Ohr zu hauen. Doch guter Rat ist teuer, wenn Mitbewohner Francesco mal wieder die Miete nicht zahlt, plötzlich alle Freundinnen Nachwuchs bekommen, der an Flatulenzen leidender Bullterrier Dexter die Luft verseucht und Karla hinter dem Flohmarktstand im Mauerpark ihr Dasein hinterfragt. Zumindest ist dann die kluge Hündin Lilsky stets eine moralische Stütze und kann in Notsituationen auch mal einen Krankenwagen rufen oder Spiegeleier braten. Karla Paloma, die 2025 in Angoulême mit dem „Fauve de la Bande Dessinée Alternative“ ausgezeichnet wurde, erzählt hier in drei herrlich schrägen Geschichten von den kleinen und großen Katastrophen des Großstadtalltags. Ganz in Manier der Underground-Comics gestalten sich die schwarz-weißen Panels dabei sowohl auf visueller als auch auf inhaltlicher Ebene schamlos und kantig. Gleichzeitig präsentiert sich Karla nicht ohne Ironie mit all ihren Unsicherheiten, was sie zu einer überaus sympathischen und nahbaren Figur macht. Der Ausgang ihrer Abenteuer, irgendwo zwischen Autofiktion und Tagtraum, ist stets unvorhersehbar. Eine amüsante Lektüre, die Lust auf eine Fortsetzung macht.

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Katharina Hülsmann

Japanologin, icon Düsseldorf

Shima Shinya, übersetzt von Ekaterina Mikulich: Lost Lad London, 3 Bde. (KAZÉ Pegasus Manga)

Der Student Al Adley findet zu Hause in seiner Jacke ein blutiges Messer – anscheinend die Tatwaffe in einem Mordfall, der durch alle Medien geht: Londons Bürgermeister wurde in der U-Bahn erstochen! Al erinnert sich nicht, wie das Messer in seine Jackentasche kam. Allerdings muss er auch gegenüber der Polizei zugeben, dass er wohl in derselben U-Bahn fuhr, in der der Politiker tot aufgefunden wurde. Alleine der etwas grimmige Detective Ellis glaubt ihm und tut sich mit ihm zusammen, um den wahren Mörder zu finden. Lost Lad London ist ein spannender Krimi-Manga, in dem zwei People of Colour nicht nur die Hauptrollen spielen, sondern dessen Ensemble an Figuren die Diversität Londons widerspiegelt. Darüber hinaus ist der Manga in einem auffallend experimentellen Stil gezeichnet: Filigrane Linienführung, insbesondere bei der Gestaltung der Mimik der Figuren, und skizzenhaft plakative Verwendung von Farbflächen und Kontrasten bei den Hintergründen. Ungewöhnlich ist auch, dass der ganze Manga ohne Soundwords auskommt. Lost Lad London ist ein Pageturner und auch ästhetisch eine Erfahrung, perfekt zum Wegschnabulieren über die Feiertage. Alle drei Bände sind in deutscher Übersetzung zwischen August und Dezember bei Pegasus Manga erschienen.

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Björn Laser

Linguist und Sprachdidaktiker, PH Schwäbisch Gmünd

NON, übersetzt von Sakura Ilgert: Adabana, 3 Bde. (Tokyopop)

„Adabana“ bezeichnet eine Blüte ohne Frucht, im übertragenen Sinne verschwendete Schönheit und vergebliche Hoffnung. In diesem dreibändigen Manga von NON geht es, nicht untypisch, um Jugendliche an der Schwelle des Erwachsenseins: um eine Jugend, die geprägt ist von Verlassenheit, Machtmissbrauch und sexueller Gewalt. Die 17jährige Mizuki Aikawa behauptet, ihre Mitschülerin Mako Igarashi getötet zu haben, ihre beste und einzige Freundin. Ihre Angaben klingen zunächst schlüssig, insbesondere als Mizukis Angaben zur Leiche des Mädchens führen und sie gleich noch einen weiteren Mord gesteht. Zunehmend scheint in den Befragungen aber durch, dass etwas an Mizukis Version der Ereignisse nicht stimmen kann, und ihr anfangs nicht sonderlich interessierter Pflichtverteidiger stellt sich nicht nur die Frage, was wirklich geschehen ist, sondern auch, warum Mizuki darauf beharrt, die Taten begangen zu haben. Die drei Bände erzählen aus unterschiedlichen Perspektiven und bilden damit eine echte Trilogie: Der erste Band schildert die Ereignisse in Rückblenden so, wie Mizuki sie gegenüber der Polizei und ihrem Verteidiger darstellt. Der zweite Band setzt zeitlich früher an und führt nun aus Makos Perspektive zu einem dramatischen Höhepunkt, der sich im ersten Band noch deutlich anders gestaltet. An diesem Wendepunkt nimmt der dritte Band Mizukis Perspektive wieder auf, die aber nun nicht mehr vermittelt durch Befragungen als Rückschau erscheint, sondern zum abschließenden Prozess führt. Vieles ist nicht so, wie es scheint, aber es geschehen auch keine Wunder. Dass man sich an Akira Kurosawas Rashomon erinnert fühlt, mag ebenso naheliegend wie oberflächlich sein, aber NON gelingt es sehr kunstvoll, durch die verschiedenen Erzählansätze nicht nur Spannung zu erzeugen, sondern auch emotionale Tiefe. Die erwächst ebenso aus der grafischen Darstellung von Verrat und Verzweiflung – mit einigen expliziten Darstellungen sexueller Gewalt, die die diesbezügliche Triggerwarnung auf dem Cover und auch die Altersvorgabe ab 18 angebracht erscheinen lassen.

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Laura Lewald-Romahn

Literatur- und Mediendidaktikerin (Universität Münster)

Paru Itagaki, übersetzt von Jürgen Seebeck: BEASTARS, 22 Bde. (KAZÉ) / BEASTARS (Anime, Netflix)

Mit Beastars hat Paru Itagaki ein vielschichtiges Werk geschaffen. Coming-of-Age, (sozial unerwünschte) Liebe, Krimi, bitterböse Gesellschaftssatire – eine hybride Fabel, die existenzielle Fragen nach Identität, Aufwachsen, Moral, Begehren und sozialer Zugehörigkeit verhandelt. Der Manga spielt in der strikt dualistischen Welt anthropomorpher Tiere. Die Welt der Fleisch- und Pflanzenfresser hat eine fragile Ordnung, sie ist von Misstrauen und unausgesprochenen Machtverhältnissen konturiert. Die Angst der Herbivoren verschlungen zu werden, ist ebenso omnipräsent, wie die Hilflosigkeit der Carnivoren, ihre naturgegebene Fleischeslust nicht zügeln zu können – ein Natur-Kultur-Konflikt par excellence. Und doch beginnt die Erzählung mit dem Unaussprechlichen: Ein Pflanzenfresser wird brutal gerissen. Im Mittelpunkt der Erzählung steht die Liebe zwischen dem siebzehnjährigen Grauwolf Legoshi, dessen imposante Erscheinung im scharfen Kontrast zu seinem sensiblen Inneren steht, und dem achtzehnjährigen Zwergkaninchen Haru. Legoshi ringt mit seinen Instinkten, den gesellschaftlichen Erwartungen und seinen Gefühlen. Die Liebesgeschichte wird weder idealisiert noch moralisiert, sondern verletzlich erzählt. Begehren und Verzehren werden doppelt gelesen: Legoshi begehrt Haru so sehr, dass er Angst hat, seine Triebe nicht kontrollieren zu können. Es ist kaum verwunderlich, dass ‚Legoshi‘ eine Referenz auf Bela Lugosi ist – in cineastischer Referenz auf Dracula, Blutdurst und Verlangen. Gleichzeitig verzehrt sich Haru, um sich selbst spüren zu können. Beastars stellt sich mutig Spannungsfeldern wie Ausgrenzung, Rassismus, Kannibalismus, Lust/Sexualität, Devianz, Gewalt und Grenzüberschreitung in der adoleszenten Identitätskrise. Formal überzeugt der Manga dabei durch eine eindrucksvolle Bildsprache – intensive Hell-Dunkel-Kontraste und expressive Linienführung. Als Anime-Adaption sind bisher drei Staffeln verfügbar, die zweite Hälfte wird 2026 erwartet. Das Werk ist für Leser*innen ab 16 Jahren eine eindringliche (Verzehr-)Empfehlung.

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Hanspeter Reiter

Comicoskop-Redakteur

Alexander Braun: Ich, das Tier (Grimmwelt/Panini)

Eine chronologisch wie thematisch umfassend-variantenreiche und zugleich pointiert-detailreiche Ausstellung (noch bis zum 12.04.2026), deren ausufernde Fülle sich mir schon vorab durch den Katalog offenbart hat, der die Exponate abbildet – und zugleich einordnet, durch den bekannten Kurators vertiefende Text-Beiträge! Um all das zu be- und zu durchleuchten: „Vom Bösen Wolf bis Donald Duck – Das anthropomorphe Tier im Comic“, auf dem Cover allerdings anstelle des Bösen Wolfs der wie üblich sardonisch grinsende Garfield: „Fabeln mit Tieren kennt die Kulturgeschichte der Menschheit seit dem Alten Testament, der Antike oder Jean de La Fontaine im 17. Jahrhundert. Aber erst die Moderne und der Comic haben das vermenschlichte Tier in Serie gehen lassen, zu Ikonen der Popkultur und Gefährten unseres Alltags gemacht. Das 20. Jahrhundert hat anthropomorphe Tiere von Micky Maus und Donald Duck über Garfield bis Wolverine zu Menschen wie Du und Ich gemacht.“ In den Blick genommen sind Märkte (Frankreich, USA), Medien-Macher (Walt Disney, Waner Bros.), vielerlei Illustratoren (von Gus Dirks über Carl Barks hin zu Ralf König etc.) plus Ausreißer wie Bilderbogen (als Vorläufer) oder Wölfe als vielfach vertretene Tier-Art. Nur als Randnotiz: Auch manche tierische Nebendarsteller*innen entwickeln durchaus menschennahe Züge und hätten durchaus ihren Platz einnehmen können, siehe Struppi oder Idefix etc. pp.

Thomas Klie und Peter Gaymann: Demensch (med²)

Mal wieder ein Sach-Comic, gar aus einem medizinischen Fachverlag: „Für einen menschenfreundlichen Umgang mit Demenz“ plädieren hier Text-illustrierend Bilder, die verstärkt zur Reflexion – fast drängen. Dieser Illustrator ist vor allem bekannt für seine Hühner-Cartoon, doch hier kommen seine Bilder ernster und weniger leicht daher, dennoch ironisch, fast selbst-ironisch, wenn aus dem Erleben von „Demenschen“ möglich… Denn: „Mit Demenz leben? Das ist herausfordernd. Ohne Humor lassen sich die Unstimmigkeiten im Leben und in der Welt schwer ertragen. Das gilt auch für ein Leben mit Demenz. In menschenfreundlicher Weise und mit Humor sich den (auch) leidvollen Seiten der Demenz und Vergesslichkeit zu stellen – dies gelingt dem Sozialexperten und Gerontologen Prof. Dr. Thomas Klie gemeinsam mit dem Cartoonisten Peter Gaymann mit Bravour!“ Wie schon das trefflich gewählte Cover-Bild verdeutlicht – wie auch jenes auf der Rückseite… Gewohnt comicesk kommen Gaymanns Illustrationen allesamt daher, mal mehr, mal weniger: S. 15/19 gar mal als Panel-Folge, häufig mit Sprechblasen (S. 58 z.B.) statt der meist üblichen integrierte Text-Zeilen – wie etwa S. 109, mit einem Pärchen auf der Parkbank: „Weißt du noch früher?“ sie – und er antwortet „Weiß ich nicht. War aber alles besser!“. Eines von vielen Beispielen, in denen ins Bild eingefangen Sprüche neu interpretiert sind.

Gerry Alanguilan, übersetzt von Jens R. Nielsen: Elmer (Dantes Verlag)

Im abgelaufenen Jahr 2025 präsentierten sich die Philippinen als Ehrengast der Frankfurter Buchmesse, wie üblich in thematisch strukturierten Bereichen des Forum, plus Auftritts-Bühne. Auch Comics waren dabei, in deutschsprachigen Auflagen in aller Regel beim Dantes Verlag erscheinend, etwa Elmer: Vermenschlichtes Verhalten von Tieren – und damit verbundenes eher entmenschlicht-unmenschliches von Menschen stehen hier im Mittelpunkt: Ein Geschehen zwischen Romantik und Massenmord, auf den Punkt gebracht. Das  SW-Album (mit farbigem Cover) lebt von der ausdrucksstark wiedergegebenen Mimik vor allem der Hühner, die durchaus unterschiedliche Charaktere (sehr menschlich = anthropomorph) repräsentieren. Zugleich sind Ansichten geboten, die an klassische (Gemälde-)Kunst erinnern: S. 28 etwa findet sich ein entzückendes ganzseitiges Beispiel, Friede & Freiheit mit weitem Blick im Natur-Kontext, zugleich konterkariert in einer (wie sich dann herausstellt) gefilmten Sequenz mit dem Filmstar aus der Hühner-Familie im Mittelpunkt (S. 92ff.)… Manch Assoziation mag beim Lesen und Betrachten aufkommen, etwa an Art Spiegelmans Maus – und damit an Massenvernichtung im Holocaust: Verdeutlicht u.a. via Schuld-Zuweisungen, hier: Vogelgrippe-Pandemie. Ergo aus verschiedenen Perspektiven interpretierbar… Ein durchaus anregender Einstieg, sich mit der sehr variantenreichen Comic-Szene dieses Inselreiches zu befassen, die teils auch die Folgen der jahrhundertelangen Kolonialzeit spiegelt. Im Nachklang zur Buchmesse sind diverse weitere Alben erschienen…

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Janek Scholz

Literaturwissenschaftler, Universität Leipzig

Birgit Weyhe: Schweigen (Avant Verlag)

Mein Comic-Highlight in diesem Jahr war zweifellos Birgit Weyhes Schweigen. Darin schildert sie die Verflechtungen der deutschen Nachkriegsgeschichte mit der argentinischen Militärdiktatur anhand der Schicksalsschläge zweier Frauen. Die Geschichten von Ellen Marx, die als Jüdin aus Nazideutschland flieht und deren Tochter später in Argentinien als eine von 30.000 Personen spurlos verschwindet, und Elisabeth Käsemann, einer jungen Deutschen, die ebenfalls in Argentinien verschwindet und ermordet wird, ohne diplomatische Bemühungen zu ihrer Rettung, werden abwechselnd erzählt, stets mit einem vorgeschalteten Kapitel zum historischen Kontext. Der Comic macht deutlich, wie eng die deutsche und die argentinische Geschichte verknüpft sind: Einerseits, da Ende der 1930er und Anfang der 1940er Jahre nicht nur Opfer des Naziregimes, sondern auch deren Täter nach Argentinien flohen, andererseits, da sich deutsche Studierende in den 1960er und 1970er Jahren zunehmend politisierten und für Lateinamerika interessierten. Am Fall Elisabeth Käsemanns wird jedoch deutlich, dass die wirtschaftlichen Interessen der jungen BRD politisch mehr Priorität genossen als ein Eintreten gegen den systematisch verübten politischen Terror der dortigen Militärdiktatur. In einem Schlusswort legt Weyhe ihre persönliche Motivation für diesen Comic offen. In einer Zeit, in der Hassrede und die Relativierung historischer Verbrechen hoch im Kurs stehen, gelte es umso mehr, sich der Vergangenheit bewusst zu werden, um neuerliche Ausgrenzung, Gewalt und Verfolgung zu vermeiden, denn: „Nie wieder ist jetzt. Nunca más“.

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Christine Vogt

Direktorin LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen

Walter Moers: QWERT (Penguin Verlag)

Mit seiner Persiflage auf das Genre des Ritterromans hat Walter Moers ein neues Meisterwerk geschrieben und gezeichnet. Er gibt sich erstmals wieder selbst als Autor und Illustrator an. Sein Alter Ego Hildegunst von Mythenmetz erscheint nicht auf dem ausführlichen Innentitel, der die „43 Aventiuren“ einleitet. In einem turbulenten Ablauf, der wie ein Roadmovie von Station zu Station rast, lässt Moers uns an den Abenteuern des Gallertprinzen aus der 2364. Dimension, nun im Astralkörper des legendären Ritters Kaltbluth, teilhaben. Dabei kommt Qwert schon im ersten Zamonienroman von 1999 vor: Der Blaubär besucht zusammen mit Qwert und der Berghutze Fredda die Nachtschule von Prof. Dr. Abdul Nachtigaller. Wie in all seinen Romanen erzählt Moers die Geschichten in unfassbar detaillierten Zeichnungen, die weit über reine Illustrationen hinausgehen. Gleich im Vorsatzblatt führt eine Landkarte in das neue Land Orméa ein: Vom Endlosen Abgrund über die Seltsame Schlucht und Creatopolis bis zur Blutroten Wüste. Ein besonderes Highlight der Darstellungen ist die – drei aufeinander folgende Doppelseiten füllende – Architektur von Creatopolis. Überhaupt stellen die Zeichnungen die neue Welt in ihren eigenwilligen Ausprägungen eindrucksvoll dar. Der neue Moers-Band ist eine klare Empfehlung für alle Fans und vor allem die, die es noch werden wollen. Nicht nur das Reitwürmchen Schneesturm und der Knappe Oyo, der ebenfalls durch ein Dimensionsloch gefallen ist und aus der Insel der tausend Leuchttürme als Hildegunsts treuer Begleiter Queekwigg bekannt ist, werden alle Herzen im Sturm erobern.

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Lukas R.A. Wilde

Medienwissenschaftler, NTNU Trondheim

Deniz Camp und Javier Rodriguez: Absolute Martian Manhunter (DC Comics)

Obwohl DCs neues „Absolute“-Universum zunächst nach einem ziemlich transparenten Abklatsch von Marvels „Ultimate“-Line aussah, ist alle meine Skepsis längst über Bord geworfen und ich bin hemmungslos fast jeder neuen Ausgabe verfallen wie seit Jahren nicht mehr. Viele der wegweisendsten DC-Comics von DKR über Red Son bis zu Kingdom Come waren bekanntlich „Elseworlds“, und vielleicht ist genau dies die neue Rolle von Comics im Transmedia-Kontinuitätsteppich: wieder alles aufzumischen! Zwischen all den unerwarteten Perlen – Absolute Batman hat mich ab „Abomination“ gepackt, Absolute Green Lantern ab der ersten Ausgabe – sticht Absolute Martian Manhunter nochmal besonders heraus, mit der Energie früher Vertigo-Anarchie: jedes Panel ein psychedelisches Kunstwerk, jede Captionbox gemeißelte Prosa, jede Ausgabe eine immer tiefere Reise in diesen irgendwie bekannten, aber irgendwie auch völlig neu entfesselten DC-Kosmos. Dieser „Martian Manhunter“ hat überhaupt keine physische Existenz sondern bewegt sich als reine Gedankenform zwischen Erinnerungsbildern, Caption-Boxen und allen anderen Darstellungsebenen, die die Comic-Sprache so anbietet. „What happens in your head also happens.“ Fühlt sich tatsächlich danach an, als ob diese Figuren gerade ganz neu erfunden werden…

Kieron Gillen und Caspar Wijngaard: The Power Fantasy (Image Comics)

Von Gillen kennt man nicht viele Missgriffe. Die Prämisse von The Power Fantasy klingt zunächst ein wenig nach Watchmen: was, wenn einige wenige Superkräfte real wären und die Weltgeschichte verändert hätten? Das kennt man – hier aber sind die Protagonist*innen so übermächtig, dass jede Auseinandersetzung sofort das Ende der Welt bedeuten würde, darum muss genau auf das verzichtet werden, was das Genre sonst ausmacht: Ausgetragene Konflikte! Stattdessen taktieren, observieren, Allianzen schmieden, platzen lassen, Bauernopfer aushandeln… der weltumspannende Plot und die geschliffenen Schachspiel-Dialoge sind dann auch so dicht geschrieben, dass ich selten zuvor jede Ausgabe so oft wieder- und wiedergelesen habe, um alle Verbindungen herzustellen und alle Fäden zu entwirren – noch so eine neue Serie, bei der ich wieder auf jedes neue Trade harre und mir dann erstmal alle Termine frei schaufele, wenn es endlich da ist.

Tom King und Peter Gross: Animal Pound (BOOM! Studios)

Das ist ein Selbstläufer dieses Jahr, für diese Liste… das Comic, das man eigentlich jeder Person zu jedem Anlass schenken sollte, damit es mehr Verbreitung findet. Tom King mag in seiner Karriere-Biographie nicht ganz unproblematisch sein, aber als Comicautor ist er eine Naturgewalt und Animal Pound ist genau das Comic, das derzeit drängt: Wie der Titel schon erahnen lässt, haben wir es mit einer geupdateten Neuerzählung von Orwells Animal Farm zu tun. Aber, weil wir eben 2025 hatten, baut das Kammerspiel der Tiere uns keinen drohenden Kommunismus, sondern das aktuelle Erstarken des Trump-Faschismus als brillante Parabel nach. Weit über die politischen Analogien hinaus, funktioniert Animal Pound aber auch auf vielen anderen Ebenen gleichzeitig, überrascht,  überwältigt, und bricht einem auch ein wenig das Herz, obwohl man das Ende natürlich immer schon vorwegahnen kann.

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Auch in diesem Jahr wünscht die Redaktion und der Vorstand der Gesellschaft für Comicforschung all ihren Leser_innen  und Freund_innen einen guten Start ins neue Jahr 2024 und präsentiert zu diesem Anlass wieder aktuelle Leseempfehlungen von Comicforscher_innen, die wir zum Jahresabschluss gesammelt haben. (Die Leseempfehlungen der letzten Jahre finden sich hier.) Viele unserer Mitglieder haben uns erneut ganz subjektive Lektüretipps geschickt, die aus den vergangenen zwölf Monaten im Gedächtnis geblieben sind – aus welchen Gründen auch immer. Darunter haben sich auch ein, zwei Titel eingeschlichen, die bereits zuvor publiziert worden sind, aber in diesem Jahr nochmal besonders im Gedächtnis geblieben sind.

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Aleta-Amirée von Holzen

Schweizerisches Institut für Kinder- und Jugendmedien SIKJM

Rina Jost: Weg

In ihrem beeindruckenden Graphic-Novel-Debüt lässt die Rina Jost ihre Protagonistin eine fantastische Reise erleben, die offen als Metapher steht für die Frage, wie man mit der Depression eines geliebten Menschen umgehen kann. Die Schweizer Künstlerin konnte eigene Erfahrungen in die Fiktion einfliessen lassen und hat die komplexe Thematik kreativ und einprägsam, doch stets zugänglich umgesetzt. Am Anfang wirkt die Redensart «in einer Depression versinken» sozusagen buchstäblich: Malins Schwester Sibyl mutiert von einem Deckenberg zu einem Felsen und versinkt durch ihre Matratze. Malin taucht hinterher und landet in fantastischen Gefilden. Hier versucht sie, Sybil zu finden – diese ist jedoch stets schon weitergegangen. Doch hat Malin zumindest in Dackel Wilma eine treue Begleiterin, während sie diese surreale Welt durchstreift und auf Figuren trifft, die oft mythologische Anspielungen verkörpern. Für den wohl eindrücklichsten Schreckensmoment sorgen die schwarzen Raben, die Malins Angst verkörpern, selbst an einer Depression zu erkranken. Schliesslich muss sie erkennen, dass sie ihrer Schwester eigentlich nicht helfen kann und jeder seinen Weg selber finden muss. Malins Reise zieht einen durch die sympathische Hauptfigur, die fantasievollen Stationen und allem voran ihrer Bildmächtigkeit in ihren Bann. Die Texte dazu sind knapp formuliert, und so erhält die Geschichte eine erzählerische Leichtfüssigkeit, die aber die Gewichtigkeit des Themas nicht untergräbt – womit «Weg» durchaus auch schon eine kindlich-jugendliche Leserschaft anspricht.

Flore Vesco und Kerascoët, aus dem Französischen von Ulrich Profröck: Mit Mantel und Worten

«Majestät, ihr seid noch bezaubernder als eine Espalüne!» Mit diesem extravaganten Kompliment sichert sich Serine, die Tochter eines verarmten Landadeligen, im barocken Frankreich überraschend eine Stellung als Hofdame der Königin. Obwohl niemand weiss, was das von Serine spontan erfundene Wort bezeichnet, wird es sofort der Hit im höfischen Getue. Trotz der Gunst der launischen Königin erkennt Serine bald, dass sich hinter den Oberflächlichkeiten des Hoflebens handfeste Skrupellosigkeiten verbergen. Doch sie manövriert sich so unbekümmert wie geschickt durch die höfischen Intrigen, bis sie ihre Stellung verliert und in den Fluss gestossen wird. Da beschliesst Serine, dass der Spass nun vorbei ist – und kehrt im Kostüm eines Hofnarren ins Schloss zurück. In dieser Rolle läuft sie zu Hochform auf und gewinnt die Gunst des alten Königs, während sie – unterstützt nur vom Henkerlehrling – herauszufinden versucht, wer dem König nach dem Leben trachtet. Die Literaturadaption präsentiert Serines Abenteuer in kleinteiligen Panels, die aber vom Schwung der wenigen Striche leben, die Serines Unbeschwertheit und ihre soziale und körperliche Agilität abbilden. Viele sprachspielerische Elemente sind immer wieder kreativ ins Bild integriert. Die Lächerlichkeit der Höflinge wird mit viel Augenzwinkern ausgestellt – umso mehr ist Serine mit ihrer Offenheit und Spontanität eine so liebenswerte wie clevere Heldin. Auch wenn sie in der Komödie und im Spielerischen verhaftet bleibt, ist Serine eine emanzipierte Version von Mantel-und-Degen-Helden à la Scaramouche, womit das zurzeit eher wenig produktive Genre hier eine lesenswerte Bereicherung erhält.

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Dietrich Grünewald

Kunstdidaktiker, Emeritus Universität Koblenz-Landau, ehem. 1. Vorsitzender der ComFor

Sid Sharp, aus dem Englischen von Alexandra Rak: Der Wolfspelz

Das Buch ist ein Erstlingswerk – kommt aber routiniert und sehr gelungen daher. Wie der Verlag vermuten lässt: ein Bilderbuch für jüngere Kinder – und eine höchst amüsante, lesens- und sehwürdige Bildgeschichte für alle, die in Doppelbildern, Einzelbildern und zwei, drei oder vier Bildern auf einer Seite erzählt, stellenweise mit integriertem kurzen Erzähltext, mit Sprechblasen, aber bildmächtig auch mal ganz ohne Text. Im Wald, düster, angsterregend, spielt die Parabel; entsprechend betont die Farbgebung mit meist schwarz hinterlegtem Grund die Stimmung. Auf den ersten Blick wirken die aquarellierten Zeichnungen ein wenig ungelenk, sehr zeichenhaft und flach, die Akteure z. T. wie Schablonenfiguren. Aber man merkt schnell, dass diese einfache und unmittelbar ansprechende Bildsprache der Thematik wie der intendierten Zielgruppe genau entspricht. Man sieht sich ein, identifiziert sich, spielt mit, fühlt mit, wenn Bellwidder sein Morgenbad genießt, bis weit in den Morgen tanzt, und dann ängstlich im Wald bei der Suche nach Beeren sich beim leisesten Knacken das Schlimmste vorstellt. Angst hat Bellwidder vor Wölfen, denn Bellwidder ist ein Schaft. Doch bei aller Ängstlichkeit: Er lässt sich nicht unterkriegen. Er schneidert sich ein Wolfskostüm, dreht das bekannte Sprichwort herum und begibt sich – nun selbst ganz in der Wolfsrolle – mutig ins Walddickicht. Und Bellwidder trifft tatsächlich auf drei Wölfe, freundet sich mit ihnen an – und dann beginnt sein Wolfspelz Fäden zu verlieren, wird aufgezupft und enthüllt schließlich das Schaf. Der überraschende Clou der Geschichte, der auch Kinder wirkmächtig zum übertragenden Weiterdenken anregt, erweist sich, als Bellwider ergeben die Augen schließt und darauf wartet, von den Wölfe gefressen zu werden: Auch die drei Wölfe tragen nur Kostüme, entpuppen sich als Huhn, Hirsch und Ziege… Der Schluss ist programmatisch symbolisch: Bellwidder lädt die neuen Freunde zu sich ein – und zieht die Vorhänge auf: „Ich möchte hier nur ein wenig Licht hereinlassen.“

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Hanspeter Reiter

Comicoskop-Redakteur

Jan Novak / Jaromir99: Čáslavská

Diese ausgesprochen farbenfrohe Bildgeschichte von 176 Seiten zeichnet das Leben der berühmten tschechischen Kunstturnerin Věra Čáslavská nach. Sie war eine außergewöhnliche Frau, die bei Olympischen Spielen insgesamt sieben Gold- und vier Silbermedaillen gewann. Sie war eine Frau, die sich nicht verbiegen ließ und für ihre Überzeugung kämpfte. Dieser Band würdigt diese Frau, die sich nicht unterkriegen ließ. Die Farben sind flächig eingesetzt und variieren mit den Erzähl-Strängen. Die Panels sehr variabel, mal sechs, mal vier, mal drei oder auch zwei, dazu ganz- und doppelseitige Bilder (meist angeschnitten), teils mit ergänzenden Auszügen als Kreisflächen. Ebenso flexibel sind Sprechblasen eingesetzt, dazu kommen erläuternde Fußzeilen-Texte und integrierte Kästen. Besonders interessant sind farblich abgesetzte Schattenwürfe bei Gesichtern, während sie in anderen Darstellungen nur in einer Art Ligne-Claire-Stil gestaltet sind. Nun, viele Seiten erinnern gar an PopArt, was Comics als Neunte Kunst verdeutlicht! Ein Kunstwerk mit gestaltetem Vorsatz. Interessant zudem für alle Turn-Interessierten, sind doch vielerlei der komplizierten Übungen an diversen Geräten sequenziell illustriert, etwa Stufenbarren oder Boden… Schön, dass diese exzellente Graphic-Novel nun auf Deutsch verfügbar ist, nachdem ich sie im Rahmen des Münchner Comic-Festivals schon mal im tschechischen Original hatte durchblättern können, beim Tschechischen Zentrum München, Programm siehe https://munich.czechcentres.cz/de.

Käthe Leipold: Die vergessene Hälfte

… ist natürlich ein feines Wortspiel zur „besseren Hälfte“, was im Übrigen hier bei vielen der vorgestellten Ehefrauen absolut zutrifft – nur waren sie quasi zur falschen Zeit geboren und wurden so untergebuttert: Wie lebte es sich mit Bach, Mozart, Chaplin, Einstein oder Georg I. von England? Offensichtlich nicht gerade einfach! Manche kennt die Leserschaft wohl schon durch bewusstes Hervorholen in den vergangenen Jahren, zumindest für Minerva Einstein-Maric sollte das zutreffen. Die Künstlerin spielt auf diversen darstellerischen Ebenen mit der Illustration, neben reinem Bild nämlich auch mit kreativen Schriften (plus Hervorhebungen in Farbe und mit Konturierungen à la Schatten, S. 51 z.B.). Gar Sprechblasen kommen ins Spiel (S. 34f. z.B. bei den Mozarts oder S. 129 Ludwig XIV.). Klischees nutzt sie durchaus, seien es Profil-Vorlagen oder bekannte Darstellungen wie Einsteins ausgestreckte Zunge (S. 105). Wer mag, kann vielem folgen, weil S. 136ff. die Quellen für Zitate aufgeführt sind, seien sie textlich, seien sie bildlich. Knapp 150 Seiten fein gezeichneter „Graphic Novel“ im weitesten Sinne – lesen & betrachten! PS: Auch „am Rande“ des Genres Illustration/Bild-Geschichte wird mehr und mehr auf die „vergessene Hälfte“ geachtet: So wurde das berühmte Museum im Münchner Isartor umgetauft in „Valentin-Karlstadt-Musäum“, immerhin…

Walter Trier: Nazi-German in 22 lessons – Nazi-Deutsch in 22 Lektionen

„Walter Triers Karikaturen gegen die Nazis“ und „including useful information for Führers, fifth Columnists, Gauleiters and Quislings“ sind zwei Bände, die einen exzellenten Ein- und Überblick bieten, zu des Illustrators gelungenen Werks anti Nazi. Beide wertig als Hardcover, mit weiterführenden Analysen, fein! U.a. von Antje M. Warthorst, die es geschafft, diesen deutschen Cartoonisten dem Vergessenwordensein zu entwinden: Das dunkelste Kapitel deutscher Geschichte hat gerade für Interessierte an Bild-Geschichten viel zu bieten, vom Illustrator Erich Kästners. Und gerade in wieder verdunkelnden Zeiten wie diesen wird es wichtiger denn je, sich zu erinnern. Etwa mit dem Logo X als Begleitung der russischen Aggression, das hiermit als weitere Zwangs-Adoption
erscheint: „Widerstand bis zum Sieg über die Nazis, dafür stand das V.“ Von den Alliierten gut als starkes Signal an und in die Bevölkerung erkannt und eingesetzt. Phasenweise absolut comicesk kommen die Cartoons daher, hier endlich gesammelt zu erleben! Und im zweiten Band ist tatsächlich ein Comic geboten, nämlich sequenziell wirkende Panels, gepackt in ein Flugblatt. Auch hier mit engen Bezügen zur Gegenwart 2023… Nachdruck des illustrierten Original-Flugblatts mit allen „22 Lektionen“ und Kommentaren. Mit Vorwort von Max Czollek sowie wertvollen Anmerkungen der Walter Trier-Expertin Antje M. Warthorst. Zweisprachige Ausgabe.“ Gilt für beide.

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Janika Frei-Kuhlmann

Literaturdidaktikerin, Institut für Germanistik, Justus-Liebig-Universität Gießen

Nando von Arb: Fürchten Lernen

Mit Fürchten lernen (2023) legt Nando von Arb ein ausdrucksstarkes Werk zum Thema Angsterfahrungen vor. In seinem unverkennbaren Stil widmet sich von Arb in kurzen Episoden den unterschiedlichen Facetten von Angst: der Angst vor Dunkelheit, Einsamkeit, Krankheit, Tod, Versagen und Verlust. Dabei zeigt er nicht nur die verschiedenen Ebenen und Nuancen individueller Angsterfahrungen auf, sondern stellt sich einer besonderen Herausforderung: der Angst ein Gesicht verleihen. In expressiven und kontrastreichen Darstellungen gibt sich die Angst in Fürchten lernen in Form von grotesken, unheimlichen Fratzen, die den Protagonisten nachts aufsuchen oder als organische Auswüchse, die sich durch den Körper der Figur fressen, zu erkennen. Albträume werden grafisch ausdrucksstark festgehalten und durch die Gedanken des Protagonisten kommentiert und kontextualisiert. Neben den individuellen Bewältigungsstrategien mit Angsterfahrungen, bei denen die direkte Konfrontation neben der Flucht vor der Angst skizziert wird, wird dabei gleichermaßen die Frage nach der gesellschaftlichen Akzeptanz von Betroffenen mit Angsterfahrungen aufgeworfen. Die Ängste, Albträume und Panikattacken werden stets individuell – mit und in sich selbst – verhandelt, wodurch eine weitere Dimension von Angst eröffnet wird: die Angst davor, mit anderen über Angst zu sprechen. Nando von Arb gelingt es in Fürchten lernen in besonderer Weise, abstrakte, vielschichtige und persönliche Gefühlszustände, die sich oft nur fließend und nuanciert wahrnehmen lassen, greifbar zu machen. Auf sensible und gleichermaßen eindringliche Weise gelingt es dem Autor durch eine entschiedene Komposition aus Licht, Schatten, Form und Farbwahl ein überzeugendes Werk vorzulegen, das nicht nur durch seine inhaltliche Komplexität und Tiefe, sondern auch durch die stilistisch-grafische Raffinesse beeindruckt. Sein besonderes Talent für die bildhafte Konservierung des ‚Unsagbaren‘ bezeugt er damit auf vielfältige Weise.

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Jörn Ahrens

Kultursoziologe, Justus Liebig Universität Giessen

Jean-Christophe Brisard/Alberto Pagliaro: Hitler ist tot!, 3 Bände

Zwischen Januar und August hat Splitter diese Mini-Serie vorgelegt, deren Handlung am 02. Mai 1945 einsetzt. Die Rote Armee hat Berlin erobert; nun will Stalin zeigen, dass Hitler wirklich tot ist. Das ist schwierig, denn eine Leiche fehlt. Zwei Geheimdienste, der NKWD und die SMERSch, treten in einen Wettlauf darum ein, Hitlers Leiche oder zumindest Beweise für seinen Tod zu finden. Dabei bekämpfen sie sich innerhalb des von Konkurrenzen und Misstrauen durchzogenen sowjetischen Systems unerbittlich. Brisards Plot geht vielschichtig vor. Gezeigt wird die kleinteilige Suche nach Hitlers Leiche, die Elemente einer Detektiv-Serie aufnimmt. Im Trümmer-Berlin des Kriegsendes werden immer wieder die deutschen Informanten thematisiert. Im Vordergrund steht aber der Kampf der beiden ausführende Dienste, die für konkurrierende Fraktionen im System der sowjetischen Führung stehen. Auch deren Intrigen im Hintergrund, speziell um NKWD Chef Beria, werden nicht ausgespart. In atmosphärisch dichten Zeichnungen entfaltet Pagliaro diese Geschichte. Sein kantig abstrahierter Stil erinnert mal, gerade auch in der Kolorierung, an expressionistische Holzschnitte, mal bleibt er skizzenhaft und lehnt sich an die Illustrationsgraphik der 1940er/50er Jahre an. Dass die ebenso glaubwürdig wie fantastisch anmutende Geschichte außerdem historisch gut recherchiert ist, zeigt der Begleitteil im dritten Band.

Marcello Quintanilha: Hör nur, schöne Márcia

Wie beschränkt der Blick auf Comics (nicht nur) hierzulande nach wie vor ist, zeigt sich an ihrer Herkunft, die selten den europäischen oder nordamerikanischen Raum verlässt. Verdienstvoll hat der Reprodukt Verlag nun, nach Tungsténio bei Avant, das zweite Album des Brasilianers Marcello Quintanilha vorgelegt. Im Mittelpunkt der Geschichte steht die Krankenschwester Márcia, die sich sorgt, ihre Tochter Jaqueline, sorglos und ignorant, könne auf die schiefe Bahn geraten. Das bestätigt sich spätestens, als Jaqueline nach einer Festnahme rasch wieder freikommt. Márcia und ihr Freund Aluísio gehen der Sache nach und geraten in einen Strudel aus Drogenkriminalität und Milizen, bis Jaqueline dafür sorgt, dass Aluísio krankenhausreif geprügelt wird und selbst in den Knast geht. Am Ende des Comics aber ziehen Márcia und Aluísio aufs Land zu Jaqueline und deren Familie, ausgerechnet im Gefängnis war sie vom evangelikalen Priester schwanger geworden. Seine ziemlich bittere Geschichte von der Innenseite Brasiliens inszeniert Quintanilha in grellbunten Farben, einschließlich der menschlichen Körper. Viele Konturlinien fehlen. Konturen werden durch die Farben markiert, schwarze Linien gibt es nur dort, wo sie benötigt werden. Die Panels sind nie durch Linien gerahmt, was dem ansonsten nicht experimentell angelegten Band eine große Leichtigkeit in der Graphik verleiht. Zeichnungen und Narrativ stehen in maximalem Kontrast zueinander. Das alles macht Lust auf mehr, mehr von Quintanilha und mehr aus der offensichtlich schwer interessanten Comic-Szene in Brasilien.

Matz/Jörg Mailliet, nach Olivier Guez: Das Verschwinden des Josef Mengele

Im Juni 1949 erreicht Josef Mengele Argentinien. Unterstützt durch ein gut ausgebautes Netz vor Ort, aber auch durch den niemals abreißenden Kontakt zu seiner Familie, die ein florierendes Unternehmen für Agrartechnik betreibt, baut Mengele sich zunächst eine gut situierte Existenz in Argentinien auf. Das Leben unter den ehemaligen Nazis ist mondän und gut situiert. Mengele reist unbehelligt nach Deutschland ein, um familiäre und finanzielle Belange zu klären, um den Vater zu beerdigen, holt seine Familie nach. Scheinbar geht das Leben im Exil und unter falscher Identität gut auf. Doch im Hintergrund versuchen sowohl der Frankfurter Staatsanwalt Fritz Bauer als auch der israelische Mossad Mengele ausfindig zu machen. Nach der Ergreifung Adolf Eichmanns wird es auch für Mengele eng, aber die deutsche Polizei und innenpolitische Prioritätensetzungen in Israel sorgen am Ende dafür, dass er unbehelligt bleibt. Unter dem Druck der Ermittlungen muss Mengele immer weiter flüchten, seine Netzwerke brechen sukzessive weg, seine Frau verlässt ihn. Die Familie kappt die Unterstützung; am Ende haust Mengele heruntergekommen in Brasilien. Mit 67 Jahren ertrinkt er beim baden im Meer. Basierend auf dem Roman von Olivier Guez hat Matz (Der Killer) ein dichtes, weitgehend chronologisch vorgehendes Script erstellt, das von Jörg Mailliet in flächigen Zeichnungen, die die Tradition der argentinischen Comics der Zeit aufgreifen, gekonnt und mit einer sehr schönen Kolorierung umgesetzt ist. Der Band bleibt konsequent an seinem Protagonisten und lässt dennoch keine falsche Nähe aufkommen; mit Flashbacks geht er angemessen sparsam um, es reicht völlig aus, zu wissen, um wen es geht.

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Lukas R.A. Wilde

Medienwissenschaftler, NTNU Trondheim

JH, Engl. Übersetzung von Ultramedia: The Horizon

Dank Yen Press hat dieser koreanische manhwa von JH von auch den Sprung vom Webtoon in Print geschafft! Sicherlich eines der düstersten und bedrückendsten Comics der letzten Jahre, überwältigt die Lektüre aber doch vor allem durch das unglaublich präzise, überwiegend visuelle Erzählen, in dem die wenigen gesprochenen Worte kaum mehr als einen düsteren Soundtrack bilden. Trotzdem werden die beiden kindlichen Protagonist*innen, mit denen wir durch eine postapokalyptische Schreckenswelt à la The Road (McCarthy) oder Parable of the Sower (Butler) wandern, vielschichtiger und komplexer als in der schillerndsten Prosa. Auf ihrer hypnotischen, oft phantasmagorischen Alptraumreise entsteht eine zerbrechliche Nähe, vielleicht auch eine Art von Hoffnung, die aber nie ganz die Einsamkeit und das Schweigen zwischen ihnen zu vertreiben vermag. Alle 21 Kapitel der Webtoon-Serie sind online zu lesen und abgeschlossen, die ummontierte Print-Ausgabe (vol.1 enthält chapter 1-5) funktioniert aber auch erschreckend schön.

Yuu Morikawa, Engl. Übersetzung von Julie Gonwich: Mr. Villain’s Day Off

Das Jahr war weltpolitisch ja nicht gerade einfach, manchmal tut daher Feel Good-Lektüre und gepflegter Eskapismus ganz wohl. Etwas Schöneres als Morikawas Kyūjitsu no Warumono-san, 2023 endlich auf Englisch übersetzt, findet man wahrscheinlich nicht so leicht. Episodische slice of life-Szenen laden zu kleinen „mental health“-Ausflügen in den Panda-Zoo oder den Konbini um die Ecke ein, wo sich ein außerirdischer Superschurke kurze Pausen von seinen Weltvernichtungsplänen gönnt. „That being said, today is my day off!“ wird so zu einer Formel, die nicht nur eine ganz zauberhafte Repetition entfaltet, sondern Genre-Regeln und Tonalitäten auch immer wieder neu überblendet und damit neben zauberhaftem Humor und unaufgeregtem Humanismus durchaus auch immer wieder poetische Qualitäten erzeugt.

Paul B. Rainey: Why Don’t You Love Me?

Ehrlicherweise ist der Einstieg in dieses seltsame, oft geradezu surreale Drawn&Quarterly-Buch nicht gerade einfach. Schon das Erzählformat lässt sich auf keinen rechten Nenner bringen: Paul B. Rainey bündelt hier ein schnelles Feuerwerk aus einseitigen Punchline-Strips, die häufig in beliebiger Reihenfolge gelesen werden können, langsam aber stetig jedoch immer größere Arcs und ein übergreifendes Gedächtnis entstehen lassen. Der beißend schwarze, mitunter geradezu bizarre Humor lässt Lachen aber nicht wirklich zu: Die kurzen Schnappschüsse aus häuslichen Familienszenen präsentieren das genaue Gegenteil einer Idylle, in der jedes Alltagsdetail von den Depressionen, Verletzungen und Suchtproblemen der Eltern Claire und Mark überschattet ist, die sich nicht einmal die Namen ihres Sohnes merken können und ihre Ehe lange, lange schon aufgegeben haben. Von dieser  schwer verdaulichen „baseline“ aus kippt der Plot aber immer weitere ins Surreale und Phantastische – präzise um die Frage herum, ob dies wirklich nicht die Realität ist, die Claire und Mark leben sollten und alles zuvor – selbst das merkwürdig episodische (Nicht-)Gedächtnis – verblüffend motiviert ist! Am Ende der 210 Episoden ist immer noch nicht ganz klar, was man da eigentlich genau gelesen hat, und angenehm war es auch meistens nicht, ganz sicher aber sehr einzigartig und bewegend unter den Publikationen der letzten 12 Monate.

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Natalie Veith

Anglistin und Mediendidaktikerin, Goethe-Universität Frankfurt

Tom Gauld: Revenge of the Librarians

“Believe me: you do NOT want to make an enemy of a librarian.” Diese Warnung stellt der schottische Comiczeichner Tom Gauld seiner jüngsten Sammlung von Comic Strips, die nun schon seit mehreren Jahren den Literaturteil des Guardian zieren, voran. Gauld zeichnet in seinen Comics eine Welt, in der Literatur mit groteskem Ernst behandelt wird und man sich vor der Poetry Police in Acht nehmen muss, die bei trivialliterarischen Äußerungen in der Öffentlichkeit sofort eingreift. Auch reimaginiert Gauld gerne die Entstehung der großen Texte der Weltliteratur, etwa wenn Jane Austen bei der Konzeption ihres berühmten Anfangssatzes von Pride und Prejudice darüber sinniert, was ein alleinstehener Mann denn besitzen muss, um eine Frau zu brauchen (Ein sprechendes Pferd? Eine Zeitmaschine? Oder vielleicht doch lieber ein beträchtliches Vermögen?). Gaulds Comics zeugen von einer immensen Liebe zu Büchern – und kombinieren diese gekonnt mit ebenso klugem wie absurdem Humor und einem minimalistischen visuellen Stil, der Comics mit Diagrammen, Pfeilbildern und Anleitungstexten vereint (beispielsweise in einer Studie über das lokale literarische Ökosystem, die über Habitat und gängige Verhaltensmuster der Spezies der Autor*innen aufklärt). Hier offenbart sich nicht zuletzt dann auch das kritische Potenzial der Strips, die bei aller Absurdität dazu anregen, den Blick zurück auf die Realität zu richten und auf die Rolle, die Literatur und literarische Akteur*innen in unserer Welt spielen und spielen sollten. Eine deutsche Version ist unter dem Titel Die Rache der Bücher erhältlich.

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Ole Frahm

Comicforscher, Arbeitsstelle für Graphische Literatur (ArGL) Hamburg

Div.: namesandfaces.il

Während des Massakers durch die Hamas am 7. Oktober dieses Jahres in mehreren süd-israelischen Kibbuzim und einem Techno-Festival haben sich einige der Angreifer Kameras um den Hals gehängt, um die Bilder ihrer Gräueltaten in der ganzen Welt zu verbreiten. Unabhängig davon, dass ein Sprecher der Hamas inzwischen behauptet, nur militärische Ziele angegriffen zu haben – eine Behauptung, die ihren eigenen Aufnahmen Hohn spricht –, zirkulieren seitdem zahlreiche Bilder – und täglich kommen neue hinzu. Den auch in Deutschland plakatierten Bildern der von der Hamas entführten Menschen kontert die Terrororganisation mit Bildern von Kindern zwischen Trümmern – sie führt auch einen Krieg der Bilder. namesandfaces.il ist eine Initiative israelischer Illustrator*innen, die ihre Ablehnung des Massakers und des dadurch ausgelösten Krieges durch eine Serie von Zeichnungen auf der social media Plattform Instagram veröffentlicht. Kein Comic im eigentlichen Sinne, aber eine Serie von Bildern und Geschichten, die sich den nicht selten für Verschwörungstheorien dienenden Filmbildern auf derselben Plattform entgegenstellt. Nicht sehr laut, eben ohne die dramatische Musik die den Videos, die behaupten, Wahrheiten über den 7. Oktober zu verbreiten, eigen ist, reiht sich ein Beitrag an den anderen – ganz unterschiedliche Bilder: Skizzen, Portraits, Blumenbilder, Graphiken. Schon diese Heterogenität spricht eine andere Sprache als die Fotos, die Filme, die doch behaupten dokumentarisch zu sein, aber unschwer in jeden neuen Kontext gestellt werden können. Diese Bilder sind jeweils zugeeignet, sie sind nicht nur der Betrachtung, sondern auch jeweils einer Person gewidmet, die ermordet oder verschleppt wurden, die Menschen vor den Mördern gerettet haben, aber auch den Menschen in Gaza, „where darkness entered their homes“. Vielen ist wie in Bildergeschichten ein kurzer Text beigeordnet: was die Gezeichneten auszeichnete, was ihnen widerfuhr – Geschichten, die sonst kaum gehört würden, wie die von dem Busfahrer Haim Ben Aryeh: „On Saturday night, the end of Simchat Torah, Haim went to drive the children of Be’eri to safety on his bus. The horrors he had seen that night broke his heart, and he had not been himself since. In the morning of October 25th he was found dead inside his bus”. Diese kleinen digitalen Bilder wirken wie Talismane, uns vor dem Bösen zu schützen, von dem sie künden.

Anke Feuchtenberger: Genossin Kuckuck

Schon der Goldschnitt verkündet etwas Besonderes. Er verbindet die verschiedenen Seiten, deren Figuren mal als Menschen, mal als Katzen, aber auch als andere Tiere gezeichnet sind. Der Stil wechselt von Kapitel zu Kapitel, auch wenn Feuchtenbergers eindrückliche Kohlezeichnungen, wie sie aus Der Spalt bekannt sein könnten, dominieren. Grad wenn sich die Lesenden an den Rhythmus aus zwei Bildern die Seite gewohnt haben, wird dies unterbrochen. So einfach ist die Geschichte, die im ländlichen Raum der Deutschen Demokratischen Republik angesiedelt ist, nicht zu haben. Sie fügt sich zu keiner übersichtlichen Erzählung wie sie im Genre der Graphic Biography so gängig geworden ist. Die Zeiten springen, die Figuren wechseln, manches erscheint als erinnerte Anekdote, anderes wirkt wie im Traum, die Übergänge sind fließend. Nur langsam setzen sich die Fragmente zusammen. Es geht um sexuellen Missbrauch, die Nachwirkungen des Zweiten Weltkrieges, es geht um Gewalterfahrung und Vergewaltigung und wie damit nicht umgegangen wurde. Genossin Kuckuck ist ein verstörendes, mutiges Buch, ein Comic, der mit einer Lektüre längst nicht ausgelesen ist. Es stellt uns die Frage, wie überhaupt solche Bücher mit Goldschnitt zu lesen sind, weil sie das Sehen und das Verstehen historischer Zusammenhänge neu denken lehren.

George Herriman: Krazy Kat. Daily Strips 1924. Hgg. von Snorre Smári Mathiesen

Die Einigkeit über die unvergleichliche Bedeutung George Herrimans Krazy Kat für die Geschichte der Zeitungscomics ist unter Comicforscher*innen groß. Die Wiederveröffentlichung des „Werks“ entspricht dieser Bedeutung allerdings nur zur Hälfte: die oft experimentellen Sonntagsseiten, die zwischen 1917 und 1944 erschienen, sind gleich mehrfach veröffentlicht seit Bill Blackbeard mit seinem San Francisco Academy of Comic Art Ende der 1980er Jahre begonnen hatte, diese jahrgangsweise zu edieren. Das Projekt stockte ab 1925, auch weil es für manche Jahre ausgesprochen kompliziert war, die Seiten zu finden, weil sie anders als die Tagesstrips oft nur in wenigen Zeitungen erschienen – sie waren von den Comic-Seiten ins Feuilleton verbannt worden, wo Redakteure sie gerne wegließen. Fantagraphics hat die Reihe dann ab 2002 übernommen und fortgesetzt – jüngst werden je drei Jahre ebendort in einer sehr schönen großformatigen Reihe zusammengefasst. Aber die Tagesstrips? Sie harren ihrer systematischen Veröffentlichung. Auch hier gab es vereinzelte Initiativen: Schon 1991 erschien in der letzten Ausgabe von RAW die Tiger Tea-Episode aus dem Jahr 1936. 2001 brachte ein Verlag namens Stinging Monkey als Volume 1 die Strips von 1918-1919 mit einem Vorwort von Blackbeard heraus. In der sehr verdienstvollen Library of American Comics, die verschiedene Strips jahrgangsweise veröffentlicht, läßt sich das Jahr 1934 nachzulesen. Ein opulentes Querformat macht die experimentellen Strips des Jahres 1920 bei Fantagraphics zugänglich. Die Strips 1921-23 sind beim Pacific Comics Club verlegt. Der norwegische Cartoonist Snorre Smári Mathiesen hat sich nun in Eigeninitiative einer Fortsetzung angenommen und begonnen, die Strips ab 1924 unabhängig, bei Amazon in Polen gedruckt, zu verlegen. Die Ausstattung ist bescheiden, die Gestaltung fragwürdig, die Ausgabe bleibt unvollständig, weil eben nicht alle Strips aufgefunden wurden, und Mathiesens Einleitung kann mit Blackbeards Sprachwitz nicht konkurrieren, zeitbezogene Kommentare schließlich, wie Blackbeard sie rudimentär zur Verfügung stellte, fehlen ganz. Doch die Qualität des Drucks der Strips ist meistens gut und wenn die Rückseite der Zeitung durchscheint, betont dies nur ihre Herkunft. Die Qualität der Strips indes bleibt auch 99 Jahre nach ihrem ersten Erscheinen überragend.
1924 begann Herriman eine längere Erzählung, die sich mit kleinen Unterbrechungen bis 1925 fortsetzt: Krazy Kat nimmt durch einen Zufall das Kind des reichen Katnip-Produzenten Mr. Max Meeyowl bei sich auf, während sie vor Joe Stork, der bekanntlich die Kinder bringt, flieht – hier oft sie, aber einmal benennt sich die Katze auch als Unkil („How evva I ain’t got no ibjections to being a ‚unkil‘ or a ‚ent‘ to you“, die Barkschen Genealogien vorwegnehmend – 30. Mai). Dem little kitten gefällt es bei Krazy natürlich viel besser als bei dem reichen Vater, doch 1925 sieht es sogar so aus, als könnten die beiden, die arme Kat und der reiche Kater heiraten, wären da nicht die Ziegelsteinwürfe von Ignatz, die Krazy natürlich vermisst… Aber auch die zweite längere Episode des Jahres 1924, in der Madam Kwakk-kwakk fordert, die Ziegelstein-Produktion einzustellen, samt Demonstrationen und einem ziegelsteinwerfenden Offissa Pupp entbehrt nicht der Komik und erinnert daran, wie sehr Charles M. Schulz Peanuts von diesen Seiten profitierte. Am erstaunlichsten erscheint mir bei der Lektüre, wie zugänglich viele der Strips noch sind, wie gut sie die Zeit überdauert haben – vielleicht auch weil die Gewaltverhältnisse und Identitätsfragen der Gesellschaften sich offenbar nicht so umfassend verändert haben wie manche denken.

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*Die ComFor-Redaktion bedauert den Mangel an Diversität in dieser Zusammenstellung, die mehrheitlich aus männlichen Comicschaffenden besteht. Zukünftig würden wir uns sehr über diversere Einreichungen sowie über mehr Beiträge von Forscherinnen in der ComFor freuen. An dieser Stelle wollen wir lediglich auf beides aufmerksam machen, um ein Bewusstsein für diese Umstände zu schaffen.

Alle Jahre wieder: Die Redaktion der Gesellschaft für Comicforschung wünscht ihren Leser_innen  und Freund_innen einen guten Start ins neue Jahr!

Wie jedes Jahr wollen wir den Leser_innen des ComFor-Blogs auch diesen Winter wieder aktuelle Leseempfehlungen von Comicforscher_innen präsentieren. (Die Leseempfehlungen der letzten Jahre finden sich hier.) – Auch 2021 gab es schließlich eine Vielzahl von Neuerscheinungen, die es sich im Blick zu behalten lohnt – obwohl auch in diesem Jahr mal dahingestellt sein soll, ob man nun Homeoffice- und Pandemiebedingt viel oder eher wenig Zeit zum lesen hatte.

Auch dieses Jahr haben wir unsere Mitglieder unter der Redaktion von Robin-M. Aust und Michaela Schober um ganz subjektive Lektüretipps gebeten, die aus den vergangenen zwölf Monaten im Gedächtnis geblieben sind – aus welchen Gründen auch immer.

Da es schönerweise auch in diesem Jahr wieder eine Vielzahl von Einreichungen gab, die natürlich nicht in der Masse untergehen sollen, haben wir uns entschieden, die Leseempfehlungen erneut in mehreren Posts zu präsentieren – der zweite folgt dann in Kürze.

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Jörn Ahrens

Justus Liebig Universität Gießen

Richard Stark/Darwyn Cooke: Parker. Martini Edition.

Offensichtlich sind die Krimis von Richard Stark Klassiker, was ich nicht weiß, weil ich Krimis nur als Film oder Comic genieße. So darf ich endlich Parker kennenlernen, einen klassischen Protagonisten des Hardboiled Crime, mit dem Unterschied, dass es sich nicht um einen Privatdetektiv handelt, sondern um einen Gangster. Die Erzählungen sind gekonnt und clever und literarisch gewiss ein Genuss. Den wirklichen Furor aber erzeugt ganz gewiss die Adaption durch Darwyn Cooke. Cooke zeichnet in scheinbar flüchtigen, aber ungeheuer genau durchkomponierten Strichen. Die fehlenden Rahmenlinien seiner Panels ergeben sich wie von selbst aus den Panelkonturen, manchmal lässt er Linien in seinen Figuren und den Décors weg. Die harten schwarz-weiß Zeichnungen sind lediglich mit jeweils einer Kontrastfolie belegt, die sich nicht zwingend in die Objekte einpasst, sondern eher auf ihnen liegt wie Art Déco. Selten hat ein Zeichner so eindrücklich Bewegung umgesetzt. Bei wehenden Gardinen spürt man regelrecht den Wind, die Figuren bewegen sich in rasanter Geschwindigkeit; Cooke gelingt es, die Bewegungslosigkeit der Comic Panels nahezu aufzuheben. So schafft er zeichnerisch eine exzellente Atmosphäre für seine Kriminalgeschichten und schmiegt sich zugleich der Ästhetik der Erzählzeit an. Cooke ist 2016 mit 54 Jahren früh verstorben. Comics wie diese bräuchte es mehr.

Zidrou/Frank Pé: Marsupilami. Teil 1: Die Bestie.

Die Welle der Hommagen an frankobelgische Comic-Klassiker rollt unaufhörlich. Vor allem die Arbeiten André Franquins scheinen nach Historisierungen zu verlangen. Während Émile Bravo die Biographie Spirous und eine kongeniale Comicgeschichte des Zweiten Weltkriegs in Belgien erzählt (auch neu und toll: Spirou oder: Die Hoffnung. Teil 3), berichten Zidrou und Frank Pé von einem Marsupilami, das 1955 nach Belgien gelangt, in der tristen Nachkriegsumgebung aber nicht heimisch werden kann. Das Belgien in diesem Band ist trist, grau, misanthropisch, sehr klassenorientiert und überhaupt eine tendenziell unmenschliche Umgebung. Man fragt sich, wie in dieser Atmosphäre 1952 das Marsupilami im Spirou-Magazin erstmals in die Welt treten konnte. Im Band lächelt das Tier ein einziges Mal – als es schläft. Zugleich knüpft das Album an Franquins Ambitionen zu einer Zoologie des Marsupilami an und entwickelt behutsam eine Studie über ein mögliches Tier. Pés Zeichnungen sind routiniert und einfühlsam; an die École Marcinelle schließen sie an, ohne sie zu adaptieren. Das Buch hat ein ungewöhnliches, quadratisches Format und ist auf sehr dickem Papier gedruckt, was eher an einen Katalog als an einen Comic denken lässt. Diese Geschichte hat kein Happy End. Dem gebeutelten Jungen, der sich des Marsupilamis angenommen hatte, wird alles genommen. Aber es ist ja erst Teil 1…

Manuele Fior: Celestia

Manuele Fior ist einer der profiliertesten Künstler der jüngeren italienischen Comic Szene und steht v.a. für zeichnerische Umsetzungen seiner Stoffe, die einen stark lyrischen Einschlag haben. Celestia bleibt von der ersten bis zur letzten Seite rätselhaft. Angeblich spielt die Geschichte nach einer großen Invasion, vor der sich einige Menschen in eine Lagunenstadt dieses Namens retten konnten. Das Motiv, Nachkriegsszenarien zu entwickeln, denen man den Krieg nicht ansieht, ist in Italien verbreitet; auch Gipi hat es mehrfach genutzt. In Celestia tauchen weder der Krieg auf noch dessen Folgen. Dafür entwirft Fior eine Welt im und am Wasser, mit Protagonisten, denen wir uns anvertrauen, aber deren Motive wir nicht kennen. Da ist die Gruppe Telepathen, die vom Dottor geführt wird. Dessen Sohn kehrt ihnen den Rücken und zieht bald mit einer Renegatin dieser Gruppe durch die Stadt und die nahe Küstenlandschaft. Die leicht futuristisch inszenierte Welt wirkt verzaubert und bleibt ohne narrative Hintergründe. Die will man auch gar nicht wissen, sie würden nur stören. Vordergründig arbeitet Fior klassisch in Stripzeilen, nutzt aber atemberaubende Perspektiven, entzündet ein Feuerwerk an pastellhaften, meist sonnendurchfluteten Farben. Ein rasantes Buch, das eindrücklich zeigt, weshalb der Comic längst nicht tot ist.

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Dietrich Grünewald

Danijel Žeželj: Rotkäppchen

In düsterem, harten Schwarz-Weiß, stilistisch an expressive Holzschnitte erinnernd, erzählt der kroatische Künstler Danijel Žeželj (* 1966) in seiner Sicht das Grimmsche Märchen. Man muss genau hinschauen und, sich auf die atmosphärischen Zeichnungen einlassend, Panel für Panel, Seite für Seite verbinden und deuten, gewissermaßen im Kopf mitspielen. Žeželj erzählt ohne Worte, nutzt die auch ständig die Perspektiven wechselnde enge, filmische Bildfolge, um hoch emotional und spannend zeigend zu erzählen. Wir verfolgen die Pirsch des Wolfes, parallel Rotkäppchen auf ihren Umwegen durch den dichten Wald zum Haus der Großmutter, wo das Mädchen, abstrakt-symbolisch angedeutet, dem Raubtier zum Opfer fällt; begleiten wiederum parallel den Jäger, der schließlich im offenen Kampf den Wolf stellt und aufspießt, Großmutter und Rotkäppchen befreit… Die Bildfolge wirkt archaisch, mythisch, wenn – so ist mehr zu interpretieren anhand verweisender Bildzeichen als zu erkennen – am Schluss wohl das Mädchen und der Jäger zusammenfinden. Eine besondere Bildgeschichte, auf die sich einzulassen lohnt.

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Michael Heinze

Heinrich Heine Universität Düsseldorf

Ralf König: Vervirte Zeiten.

2020 hat Ralf König sein 40jähriges Comiczeichner-Jubiläum begangen und auch in diesem Jahr noch mit zahlreichen on- und offline veranstalteten Jubiläumslesungen gehalten. Damit gehört er klar zu Deutschlands alteingesessenen Comicautor*innen. Als die Corona-Pandemie im Frühjahr 2020 Fuß fasste, begann König, seinen Fans auf Facebook täglich einen Vier-Panel-Comic zu offerieren, und wieder einmal waren es Konrad und Paul, das Kölner Paar aus intellektuellem Musiklehrer und sex-positivem Freizeitautor, die unser Leben durch die Pandemie begleitet haben.
Seit Jahrzehnten begleitet das Paar nicht nur die schwule Community und erlebt Höhen und Tiefen des Alltags. Wenn auch ein Pandemie-Tagebuch, so ist Vervirte Zeiten doch noch viel mehr. So geht es beispielsweise auch – wie schon im 2017 erschienenen Herbst in der Hose – um das Älterwerden, Lust und Liebe und den Alltag. Da sind die allzu Konservativen, da sind die Diskussionen über Maskenpflicht und Gegendemonstrationen, und wie immer gibt es klare Worte.
Von März bis Oktober hatte König den täglichen Comicstrip 2020 durchgehalten, sich dann aber wieder seinem Tagesgeschäft zugewandt. Doch schon im Februar 2021 erschien dann die Sammlung. Auch stilistisch hat sie einiges zu bieten, da das Vier-Panel-System dem Meister des konzisen Erzählens noch einmal eine neue Grenze auferlegt hat. Und seit einigen Wochen ist nun eine neue tägliche Comic-Reihe auf der Facebook-Seite des Autors zu finden.In «Das Unvermögen» erschafft Andreas Kiener eine futuristisch-dystopische Welt in zarten Pastelltönen. Im 23. Jahrhundert hofft die Eliste, alles Zukünftige – selbst den kleinsten Regentropfen – mittels enormer Computer vorhersagen zu können, während die Ressourcen der Erde aufgebraucht sind. Ihren Anfang nimmt die Geschichte dabei im Gebiet der heutigen Schweiz, was nicht explizit gesagt wird, aber klar zu erkennen ist. Hier macht sich die sechsjährige Ali nach dem Tod ihrer Grossmutter auf die Suche nach ihrer Mutter, die eine wichtige Rolle in der Entwicklung von Superrobotern gespielt haben muss. Die Reise führt sie nach Abidjan zur grössten Roboterproduktionsfirma. Als Begleiter kann Ali dabei auf ihren potenziell allwissenden Androiden in Gestalt eines lebensgrossen weissen Teddybären zählen. Die Geschichte lebt von der Beziehung dieser beiden, denn Ali muss den hochintelligenten Androiden immer wieder mahnen, ihr die Dinge so zu erklären, dass sie sie verstehen kann. Und obwohl sie aufgrund ihres Alters vieles noch nicht ganz versteht, gelingt es ihr mit Pfiffigkeit und Glück immer wieder, die Regeln zu umgehen, an die der Android sich aufgrund seiner Programmierung halten müsste. Und dann wird seine Batterie knapp … Die detailreichen Bilder laden zum mehrmaligen Betrachten ein, und da die Geschichte noch nicht abgeschlossen ist, ist auf eine Fortsetzung zu hoffen.

Baptiste Bouthier Héloise Chochois. 11 septembre 2001, le jour où le monde a basculé.

„Wo warst Du am 11. September?“ ist eine Frage, die in vielerlei Gesprächen in den letzten 20 Jahren gefallen ist. Und wir erinnern uns alle daran, müssen nicht einmal das Jahr erwähnen. Héloise Chochois und Baptiste Bouthier wählen eine etwas andere Perspektive auf diese subjektiv geprägte Erinnerung, indem sie die 1987 geborene Protagonistin Juliette am 20. Jahrestag des Anschlags nach New York reisen lassen und sich erinnern lassen, wie sie als 14-Jährige den Tag und die Folgen erlebte, an die Reaktionen der Mutter, zum Beispiel, aber auch an ihre Betroffenheit, die dennoch die Frage stellte: „Was bedeutet das alles?“
Erzählt werden Zeitzeugengeschichten, die aus anderen Medien schon hinlänglich bekannt sind, aber der sehr nüchterne Stil des Comics macht diese Erzählungen umso eindringlicher. Andreas Platthaus beklagt – nicht ganz zu Unrecht – in seiner Rezension in der F.A.Z., dass es erzählerisch nicht viel Neues gibt, und dass der Comic seinem Anspruch, eine Chronik zu sein, nicht gerecht werde, weil er nicht darauf eingehe, was in den 20 Jahren dazwischen zum Beispiel in Afghanistan geschehen ist. Platthaus liegt richtig, unterstellt man die Absicht zur Chronik, doch ich würde eher sagen, hier beschäftigen sich der Autor und die Zeichnerin mit dem Funktionieren der Erinnerung, mit Memorialkultur und unserer Wahrnehmung der Dinge in verschiedenen Lebensaltern. Und das tut der Band in herausragender Art und Weise.
Der Comic ist ebenfalls dieses Jahr auf Deutsch unter dem Titel 9/11 Ein Tag, der die Welt veränderte bei Knesebeck in München erschienen.

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Aleta-Amirée von Holzen

Schweizerisches Institut für Kinder- und Jugendmedien SIKJM

Andreas Kiener: Das Unvermögen

In «Das Unvermögen» erschafft Andreas Kiener eine futuristisch-dystopische Welt in zarten Pastelltönen. Im 23. Jahrhundert hofft die Eliste, alles Zukünftige – selbst den kleinsten Regentropfen – mittels enormer Computer vorhersagen zu können, während die Ressourcen der Erde aufgebraucht sind. Ihren Anfang nimmt die Geschichte dabei im Gebiet der heutigen Schweiz, was nicht explizit gesagt wird, aber klar zu erkennen ist. Hier macht sich die sechsjährige Ali nach dem Tod ihrer Grossmutter auf die Suche nach ihrer Mutter, die eine wichtige Rolle in der Entwicklung von Superrobotern gespielt haben muss. Die Reise führt sie nach Abidjan zur grössten Roboterproduktionsfirma. Als Begleiter kann Ali dabei auf ihren potenziell allwissenden Androiden in Gestalt eines lebensgrossen weissen Teddybären zählen. Die Geschichte lebt von der Beziehung dieser beiden, denn Ali muss den hochintelligenten Androiden immer wieder mahnen, ihr die Dinge so zu erklären, dass sie sie verstehen kann. Und obwohl sie aufgrund ihres Alters vieles noch nicht ganz versteht, gelingt es ihr mit Pfiffigkeit und Glück immer wieder, die Regeln zu umgehen, an die der Android sich aufgrund seiner Programmierung halten müsste. Und dann wird seine Batterie knapp … Die detailreichen Bilder laden zum mehrmaligen Betrachten ein, und da die Geschichte noch nicht abgeschlossen ist, ist auf eine Fortsetzung zu hoffen.

Bruno Duhamel: Niemals

In «Niemals» nimmt Duhamel die Folgen der Klimaerwärmung als Anlass der Geschichte sowie als dramatische Kulisse. Im bretonischen Fischerdorf Troumesnil lebt die alte Madeleine. Obwohl sie schon über neunzig und von Geburt an blind ist, meistert sie ihren Alltag noch gut allein. Standhaft weigert sie sich, ins Altersheim zu ziehen – selbst wenn der Bürgermeister sie noch so drängt und es dafür einen guten Grund gäbe: Jede Nacht erodieren mehrere Meter Küste, Madeleines Garten ist schon zur Hälfte im Meer versunken. Der Untergang steht buchstäblich vor ihrer Tür, es kann sich nur noch um Tage handeln, bis auch ihr Häuschen ins Meer rutscht. Da Madeleine fest entschlossen ist, ihr Haus niemals zu verlassen, greift der Bürgermeister nicht zuletzt aus Sorge um seinen Ruf zu billigen Tricks – was wiederum Madeleine ergrimmt. Der Zwist nimmt immer absurdere Formen an und persifliert das Beamtentum. Auf dem Höhepunkt des Dramas soll Madeleine in einer stürmischen Nacht mit Zwang aus dem Haus geholt werden. Es gelingt ihr aber, einem der Feuerwehrmänner ihre Beweggründe für ihre Unbeugsamkeit verständlich zu machen. Visuell der ligne claire verpflichtet, lässt Duhamel eindrücklich und mit satirischem Blick Sicherheitsdenken und Selbstbehauptung aufeinanderprallen und wirft Fragen auf, für die es keine einfachen Antworten gibt. Mit Madeleine hat er eine Protagonistin geschaffen, die einem lange im Gedächtnis bleibt.

Serena Blasco, nach Nancy Springer: Enola Holmes 1: Der Fall des verschwundenen Lords

An ihrem 14. Geburtstag wird Enolas Name (rückwärts «alone») zum Programm. Denn ihre Mutter verlässt das Haus und ist nicht wieder auffindbar; selbst Enolas grosse Brüder – keine Geringeren als Sherlock und Mycroft Holmes – kommen nicht weiter. Und mit der auf dem Land aufgewachsenen Schwester wissen die Männer auch nichts anzufangen, ausser sie in eine Töchterschule zu stecken. Zum Glück aber hat ihre Mutter Enola konsequent zur Selbstständigkeit erzogen – und sie hat Hinweise hinterlassen, die nur Enola entschlüsseln kann. Daher reist Enola lieber allein allein nach London, wo sie verkleidet ein eigenes Detektivbüro eröffnet und auf der Suche nach ihrer Mutter nebenbei einen entführten Jungen rettet. Mit Cleverness und Kühnheit lässt das junge Mädchen die gestandenen und in Geschlechterfragen zu Engstirnigkeit neigenden Detektive ziemlich alt aussehen. Die im französischen Original seit 2015 erschienenen Comics halten sich dabei in der Handlung viel näher an der gleichnamigen Buchvorlage (2006–2010, dt. ab 2019) der englischen Autorin Nancy Springer als die Netflix-Verfilmung von 2020 (Regie: Harry Bradbeer). Während das nur von Gaslaternen beleuchtete, dunkle und armutsverseuchte London aus dem Buch im Comic (wie übrigens im Film) kaum sichtbar wird, setzen Serena Blascos schwungvolle, in starken Pastelltönen gehaltenen Aquarellzeichnungen Enolas Esprit und eine gewisse Eigenwilligkeit visuell gelungen um.

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